М. Гордеева(редактор) - Лувр

Алтарный образ работы Чимабуэ из церкви Сан-Франческо в Пизе стал одной из жемчужин коллекции Лувра. Манера письма Чимабуэ восходит к византийской, в которой узнается «иконный» стиль, однако в ней уже намечен переход к более живой и изящной живописи. С этого пока еще робкого стремления к отходу от строгих канонов берет свое начало искусство эпохи Возрождения, первым этапом которого стал Проторенессанс.

Изображение сидящей на троне Богоматери с Младенцем на руках еще воспринимается иконой, то есть произведением религиозного искусства, объектом поклонения и молитв. Однако в нем уже заложена трансформация иконы в картину, созданную для удовлетворения эстетической потребности человека в созерцании прекрасного. Лики и композиция остаются иконно-строгими, но в трактовке одеяний художник позволяет себе вольность — великолепно выписывает струящиеся складки одежд и переливы цвета, давая зрителю возможность почувствовать легкость и красоту материи.

Филиппо Липпи, художник эпохи Раннего Возрождения, получив монастырское воспитание, принял монашеский обет и создавал религиозные композиции.

Это алтарный образ, заказанный живописцу для капеллы, посвященной Святому Фредиано, в церкви Санто-Спирито во Флоренции. Художник — истинный певец прекрасного. В изображении Мадонны с Младенцем и ангелами небесными он создает прелестные образы, поражающие возвышенной красотой. Ангелы удивительны в своей непосредственности: они задумчиво глядят по сторонам, кто-то из них смотрит на Мадонну, которая, держа на руках божественного Младенца и опустив глаза, подходит к двум коленопреклоненным святым — Фредиано и Августину.

До 1810 алтарь оставался в церкви. В ходе наполеоновских завоеваний он был отправлен во Францию и на родину уже не возвращен. В 1814 работа попала в Лувр.

«Несение креста» — фрагмент алтаря, известного как «Полиптих Орсини». Он посвящен страстям Христа и состоит из шести частей, ныне хранящихся в разных европейских музейных собраниях.

Эту работу мастера сиенской школы Симоне Мартини отличают драматизм и эмоциональный накал, которые художник привнес в традиционный сюжет. На лицах персонажей ясно читаются чувства, обуревающие ими, что было бы немыслимым для византийской манеры письма. Жесты и мимика героев патетичны и немного театральны, однако в этом находит выражение личное отношение художника к изображаемому им событию Священной истории, его сопереживание.

Живописец Раннего Возрождения, Козимо Тура был придворным художником дома д'Эсте, герцегов Феррары.

Композиция «Пиета со святыми» является частью алтаря Святого Георгия в Ферраре. Пиета — это оплакивание Христа, умершего на кресте. Непременным участником таких композиций является Богоматерь. На ее коленях распростерто бездыханное тело Сына, рядом изображены фигуры избранных святых, сопереживающих Ее горю. Здесь нет места красоте: лица всех присутствующих искажены скорбью и страданием, на лике Христа также лежит печать крестных мук. Для передачи эмоционального состояния героев художник использует язык мимики и жестов, красноречиво говорящий об их переживаниях.

Святой Себастьян — популярный образ в изобразительном искусстве, к которому обращались многие художники, живописуя жестокий эпизод его мученичества — страдание от пущенных в него стрел. Святой Себастьян в III–IV веках тайно исповедовал христианство. Узнав об этом, император Диоклетиан приговорил его к смерти. Однако раны, нанесенные святому, не стали смертельными. Жена втайне выходила его, и он, не желая бежать из Рима, предстал перед Диоклетианом чудесно спасенным. Император же вновь повелел казнить святого.

На луврской картине «Святой Себастьян» Андреа Мантеньи, живописца и гравера Раннего Возрождения, святой привязан к обломку античной колонны, нижняя часть его тела усеяна стрелами. Колонна как часть разрушенного античного храма символизирует медленно уходящий в небытие мир язычества, за который так крепко держался император и жертвой которого пал святой Себастьян. Рядом с ногами несчастного молодого мужчины сохранился мраморный фрагмент разбившейся статуи, когда-то стоявшей на этом месте и прославлявшей греко-римских богов.

«Портрет Джиневры д'Эсте» («Портрет принцессы») — произведение итальянского живописца раннего Кватроченто Антонио Пизанелло. Профиль принцессы напоминает чеканные образы, создававшиеся на памятных медалях.

Некоторыми исследователями выдвигалось предположение, что изображенная является не Джиневрой д'Эсте, а другой представительницей этого дома, урожденной Гонзаго. Однако в настоящее время считается, что портрет принадлежит все же Джиневре.

Девушка запечатлена на фоне цветов. Для современного зрителя они значат не больше, чем просто живописный «природный» фон, однако современникам художника они могли бы о многом рассказать. Каждый цветок имеет свое символическое значение и обозначает определенное явление. Включенные живописцем в «контекст» произведения, эти цветы несут тайный смысл, раскрывая историю жизни принцессы. Джиневра д'Эсте была убита своим мужем за то, что не могла иметь детей. Цветы гвоздики и колокольчики водосбора символизируют супружество и плодовитость, однако у водосбора (аквилегии) есть и иное значение — смерть. О смерти говорит также и приколотая к рукаву платья веточка можжевельника.