Л. Пуликова - Государственный Эрмитаж

Ткань красно-малинового тона с энергичными изгибами синего узора спускается со стены и овладевает плоскостью стола, образуя с ним единое целое. Чистый красный цвет поглощает пространство комнаты и женскую фигуру, плоскость холста превращается в декоративную поверхность. Но художник углубляет холст, вводя мотив окна, за которым открывается зеленый сад с цветущими деревьями.

Картины Матисса похожи на яркие декоративные ковры. Цвет для него является основным выразительным средством, красный на полотне словно излучает жизненную энергию, несет заряд радости и оптимизма.

Панно «Танец» (вместе с «Музыкой») Анри Матиссу заказал С. И. Щукин для украшения лестницы особняка в Москве. Перед отправкой в Россию оно выставлялось на осеннем Салоне и вызвало скандал: устроители и зрители называли художника сумасшедшим, досталось и заказчику, которого обвинили, что он собирает мусор. Наставник Матисса Густав Моро предсказывал, что ученик «упростит живопись». Прием упрощения и схематизации фигур, где одна линия передает форму фигуры, наглядно присутствует в «Танце». На картине изображен хоровод пяти обнаженных людей, которые, взявшись за руки, танцуют на вершине холма. Яркое звучание трех цветов — красного, синего и зеленого — усиливает впечатление зрителя от монументального полотна, передает ощущение динамики. Художник кладет краски крупными пятнами, обводя их четкими контурами, отказываясь от светотеневой моделировки объемов и передачи глубины пространства. Композиционные ритмы картины безупречно отлажены и содержательны. Напор и мощь, заключенные в чистых красках, передают вырвавшиеся на поверхность чувства и страсти. Мотив хоровода многократно повторялся в европейском искусстве, у Матисса же он становится воплощением ритма и экспрессии XX века.

Глава группы «Наби» («Пророки»), французский живописец Пьер Боннар любил писать средиземноморские и парижские пейзажи, натюрморты, бытовые сценки и интерьеры в мягких, лирических цветах. Он выработал собственную манеру письма с ярко выраженной декоративностью, значительную роль в которой играет передача пространства, освещения и объема. В 1911 известный московский коллекционер И. А. Морозов заказал Боннару серию панно для парадной лестницы своего особняка на Пречистенке. Триптих занимал торцовую стену лестницы.

Согласно замыслу художника, композиция делилась белыми полуколоннами на три части. Перед зрителем раскрывается сверкающий средиземноморский пейзаж, видимый словно сквозь античный портик. Композиция построена по классической схеме — с тремя планами. Горячим ослепительным солнцем залита площадка перед виллой. Со всех сторон она окружена деревьями и лишь в глубине, в просвете между ними, виднеется лазурное море. В тени деревьев, скрываясь от зноя, девочка в белом платье играет с котенком (левая створка триптиха), женщина на правой створке разговаривает с попугаем, двое малышей на центральной копошатся в песке. Но фигуры не отвлекают внимания зрителя от главного героя — окружающей их роскошной и яркой южной природы. Большую часть композиции занимают громадные стволы и кроны деревьев, их буйная зелень салатных, желтых и серебристых тонов задает колорит триптиха. Работая над панно, художник обобщил цвет. Боннар использует десятки оттенков зеленого и желтого, лилового и розового, коричневого и голубого, но избегает пестроты. Мелкие раздельные мазки создают впечатление вибрации света. Средиземноморский триптих показывает выдающийся живописный талант мастера и раскрывает его как изумительного колориста.

Французский живописец Андре Дерен начал свой творческий путь на рубеже двух столетий. Он был одним из наиболее инициативных членов группы фовистов, увлекался сезаннизмом, дружил с Матиссом и Пикассо, приобщившим его к кубизму. Дерен также черпал вдохновение в работах старых мастеров и самой природе.

В «Пейзаже с лодкой у берега» художник возвращается к классической простоте композиции. Картина весьма условно передает пейзаж, но вместе с тем она вдохновлена им. Дома, построенные из местного камня, деревья, прибитые к берегу лодки передают характер местности приморских Альп. Художник специально уменьшил количество цветов на своей палитре, оставив лишь желтоватые, коричневые, серо-голубые и зеленые, чтобы воспроизвести гамму этой солнечной местности. В расположении домов, деревьев и даже травы чувствуется влияние кубизма. Однако более всего в картине ощущается воздействие старых мастеров — примитивистов итальянской сиенской школы.

Подвески были широко распространены в XVI–XVIII столетиях, являясь украшением костюма или служа амулетом.

Подвеска «Каравелла» — одно из интереснейших произведений ювелирного искусства Испании XVI века в собрании Эрмитажа. Пять изумрудов составляют крест, к которому золотыми цепочками прикреплена испанская каравелла. Ее корпус выточен из большого колумбийского изумруда глубокого зеленого цвета. Парус, мачты и контур корабля украшены белой и черной эмалью. На корме судна тонко прочеканены золотые арабесковые узоры. Общий вес всех использованных ювелиром изумрудов составляет 190 карат!

Мотив плывущего корабля выбран не случайно: в Европе и особенно в Испании это было связано с эпохой великих географических открытий.

В конце XVI столетия главным художественным центром Испании становится королевский двор с резиденциями в Мадриде и Эскориале. При нем начинает работать основоположник испанской живописи XVII века Франсиско Рибальта, впоследствии переехавший в Валенсию и прославившийся там. Работы мастера редко встречаются в музеях за пределами Испании.