О. Киташова - Национальный музей искусства Каталонии

Доменикос Теотокопулос родился и научился живописному мастерству на Крите, после чего переехал в Толедо, где провел большую часть своей жизни. Благодаря происхождению он получил прозвище Эль Греко, «Грек», ставшее более известным, чем настоящее имя.

Сюжетом данного полотна является встреча апостолов Петра и Павла, бывших в раздоре, — тема, к которой художник обращался неоднократно. Он сделал центром композиции примирительный жест их переплетающихся рук, свидетельствующий о приходе святых к согласию. Положение руки стареющего Петра выражает одобрение и признание Павла, который покорно принимает этот знак. Герои изображены на фоне облачного неба, а исключительный стиль письма Эль Греко создает ощущение, что и их одежда, и даже тела сотканы из небесной материи. Мерцание холодных карминовых, зеленых и охристых оттенков, гармонирующих друг с другом, делает полотно сверхъестественным, неземным.

Один из самых известных испанских художников, выдающийся представитель золотого века национальной живописи, Диего Веласкес в начале своего творческого пути находился под влиянием караваджизма, что прослеживается в выборе сюжетов для ранних работ и типичном для этого направления противопоставлении и столкновении темноты и света. Данный портрет, созданный Веласкесом еще в Севилье, до начала работы при дворе Филиппа IV в Мадриде, считается ключевой картиной для понимания того, каким образом развивался караваджистский живописный реализм в Испании.

Изображенный облачен в тунику, поверх которой надета накидка из плотной материи. Волосы на его голове темны, но в бороде уже виднеется проседь, а лицо в глубоких морщинах. Теплое золотистое сияние, возникающее за головой персонажа, растворяющее окружающую темноту, свидетельствует о святости, что подтверждается подписью в левом верхнем углу холста: «S. PAVLVS» — «Св. Павел». Приглушенность приближающихся к монохромности оттенков с выделенным светом и цветом участком, который становится центром композиции, характерна для раннего периода творчества Веласкеса.

Франсиско де Сурбаран — представитель севильской школы живописи, один из самых выдающихся художников Испании XVII века. Чаще всего он создавал полотна на религиозные сюжеты, которые характеризуются монументальной пластичностью форм, чувственной проникновенностью и глубиной выразительности.

Мадонна Иммакулата — иконографический тип в католическом искусстве, изображающий возносящуюся Марию, стоящую на полумесяце. Он связан с христианскими представлениями о непорочном зачатии и Богоматери как единственном смертном существе, свободном от первородного греха. Художники часто обращались к этому сюжету на протяжении испанского золотого века, не раз писал «Иммакулату» и Сурбаран, но именно данная версия признана лучшей. Помимо полумесяца Марию здесь поддерживают головы пяти херувимов. На шее у нее ожерелье с анаграммой AM, что расшифровывается как Ave Maria («Радуйся, Мария»). Облака над головой Богоматери формируют нимб, очерченный звездами и головками ангелов. По сторонам от нее находятся ангелы с цветами — розами и лилиями, символизирующими девственную чистоту, и табличками с цитатами из Песни песней. Внизу с молитвенным благоговением к возносящейся Деве обращены двое коллегиатов. Кроме того, на полотне в межоблачных проблесках можно увидеть различные символы, относящиеся к ней, — утреннюю звезду, врата рая, незапятнанное зеркало и лестницу Иакова.

Произведения Франсиско де Сурбарана отличаются особой монументальностью, которая проявляется как в построении композиций на религиозные сюжеты, так и в натюрмортах, демонстрирующих, подобно этому, простейшие бытовые предметы. Даже в изображении обыденных вещей живописец достигает ощущения некоей мистической иррациональности. Глубокая пластическая выразительность его картин определяется тщательной работой со светотенью, с помощью которой буквально лепятся формы предметов, кажущихся материальными и осязаемыми. Равномерно распределяя сосуды на вытянутом горизонтально холсте, выстраивая их на одной линии, мастер будто подчеркивает значимость каждой отдельной вещи, лишает композицию иерархичности, деления на главное и второстепенное. Пространство, как всегда у Сурбарана, остается абстрактным, формы лаконичны, цвета сдержанны и приведены к гармонии друг с другом.

Андреа Ваккаро — неаполитанский художник позднего маньеризма, работавший в стиле тенебризма, характеризующемся использованием драматического освещения. Этот стиль развивали последователи Караваджо, к которым относится и Ваккаро, испытавший влияние великого мастера и в начале творческого пути даже исполнивший копию его работы «Бичевание Христа». Зрелая манера Ваккаро, в которой создана картина «Товия и рыба», определяется высветлением палитры и смягчением противопоставлений светлых и темных участков полотна. Художник начинает ориентироваться на творцов, писавших с меньшей экзальтированностью, чем Караваджо, таких как Гвидо Рени и Пьетро да Кортона.

Перед зрителем — одно из двенадцати произведений серии, посвященной эпизодам из ветхозаветной книги Товита. На полотне изображена сцена начала совместного путешествия Товии и его спутника, впоследствии оказавшегося архангелом Рафаилом, за деньгами для ослепшего и считавшего себя умирающим отца молодого человека, Товита. Рафаил велит Товии выбросить на берег рыбу, кинувшуюся на него в реке, и достать из нее желчь, которая, как он объяснил юноше, способна исцелять глазные бельма. Взаимодействие персонажей акцентируется жестом архангела, их расположение четко по центру произведения на одной линии создает ощущение повествовательности, отсылает к сюжетной основе. Цвета одежды перекликаются с оттенками, использованными художником в написании пейзажа, что формирует целостность впечатления.