Сусанна Парч - Домашний музей

Художники более не ограничиваются тем, чтобы писать картины на холстах, отливать скульптуры в бронзе или ваять их в камне. Они используют и другие материалы — песок, дерево или утиль; они применяют современную технику, свет, звук, электродвигатели, видео, компьютеры и лазерные лучи. Художники полностью посвящают себя искусству, как, например, Тим Ульрике, с чьей картиной «Я не могу больше видеть никакое искусство» мы уже встречались в 10-м зале (рис. 147).

Произведение искусства из света и цвета, наполняющее помещение и делающее зрителя участником действа, находится под последним залом нашего музея: требуется лишь спуститься по винтовой лестнице.

Рис. 270. Помещение для проведения выставокв Мюнхене открылось в 1994 г. инсталляцией Дэна Флевина.

Мы попадаем в воспроизведенное помещение станции метро. В Мюнхене, где, собственно, и находится эта станция, длинный эскалатор ведет к перрону. В полуподвальном этаже есть дверь, которая ведет в помещение прямо над перроном (рис. 270). Это помещение воссоздано в подвале музея. Здесь оно, как и станция метро, выглядят точно так же, как в Мюнхене. Потолок и колонны выполнены из бетона. Здесь только нет железнодорожных путей и перрона. Вместо этого по потолку — имитируя железнодорожные пути — проложены четыре светящиеся дорожки из неоновых ламп зеленого, голубого, желтого и красного цветов. Они окрашивают все помещение — белые стены, светло-коричневый паркет, серый потолок — в различные цвета, которые, пересекаясь, смешиваются. И тогда зритель становится участником этой игры света. В зависимости от передвижений по помещению цвет лица и одежды будет меняться. Еще более ощутимо, чем перед картиной Барнета Ньюмена (рис. 256), мы погружаемся в цвет и как бы становимся частью цветовой гаммы помещения.

Эту пространственную живопись цветовых полей создал американец Дэн Флевин (1933–1996). Здесь свет и цвет не изображаются, они действительно существуют.

Дэн Флевин разработал эту инсталляцию для выставочного зала над мюнхенской станцией метро «Кенигсплатц». Исполнение такой идеи очень просто. Для этого надо зайти в магазин электротоваров и купить достаточное количество цветных люминесцентных трубок. Здесь решающим является идея и знание того, какие цвета и в какой последовательности создадут в помещении наибольший эффект.

Но как получилось, что станция метро превратилась в выставочный зал? Строительство новых музейных зданий очень дорого. К тому же в городах не хватает места для строительных площадок. Так в Мюнхене пришли к мысли из неиспользуемого более помещения над одной из станций метро создать дополнительный выставочный зал, о котором уже давно мечтали. Этот зал в некоторой мере воздает дань нашей повседневной жизни. В таком большом городе, как Мюнхен, люди вынуждены пользоваться общественным транспортом. Под землей эти транспортные средства мешают гораздо меньше — вот почему еще в XIX в. построили первые станции подземки в Лондоне и Париже.

В Мюнхене, в помещении, обустроенном как станция метро и потому хорошо знакомом многим, теперь выставляются произведения искусства. Это еще одна попытка внедрять искусство в жизнь. Спускаясь по эскалатору в метро, люди могут сквозь огромные стекла заглянуть в выставочное помещение, где висят картины и стоят скульптуры. Чем ближе человек чувствует себя к произведениям искусства и чем чаще он посещает выставку, тем сильнее проявляется воздействие на него искусства.

В период после 1945 г. в Америке и Европе наметились разные тенденции в развитии искусства. Многие художники бежали от преследований национал-социалистов из Германии в США. Их идеи беспредметного искусства, подхваченные и развитые американскими художниками, получили название «абстрактный экспрессионизм». В абстрактном экспрессионизме имеются два направления: живопись цветовых полей и живопись действия. Приглашающая к размышлению живопись цветовых пространств, чистых, ярких тонов и красок, нанесенных при помощи вспомогательных средств (в которых еще ощутимее проявляется замысел художника как действие), после 1945 г. вновь нашла своих почитателей в Европе.

Уже в 50-е гг. молодые художники как в США, так и в Англии организовали новое движение, новое направление — поп-арт. В США художники этого направления воспевали мир вещей, в Англии же они относились к этому скорее критически.

Хотя как художественное направление поп-арт оформилось недавно, оно отличается тем, что привнесло в искусство будничность и повседневность. И в то же время само искусство все активнее заполняет нашу жизнь. Например, сторонники стиля граффити из чувства протеста расписывают из распылителей общественные здания и поезда электричек. Что касается инсталляций, то здесь композиции могут составляться даже из предметов повседневного обихода, например продуктов питания. Искусство действия подразумевает создание временных произведений искусства, которые затем уничтожаются. Но при этом они оставляют след в сознании людей, изменяя их восприятие через художественные образы и возвышая над будничностью повседневной жизни.

Перед нашим музеем стоит фонтан (рис. 2, 271). Он извергает струи воды. Конструкции и фигуры вращаются, орошая все и вся водой. Одни из них повторяют движения машин на фабриках. Другие являются плодом фантазии творца, аналогов которым мы не найдем в природе. Этот фонтан — совместная работа швейцарца Жана Тингели (1925–1991) и француженки Ники де Сен-Фай (р. 1930). Они создали его для Центра Помпиду в Париже и назвали «Фонтаном Стравинского». Игорь Стравинский (1882–1971) был известнейшим композитором. По замыслу авторов, движения фигур и конструкций вместе с водяными струями как бы являлись воплощением музыки Стравинского в образах.

Рис. 271. Жан Тингели и Ники де Сен-Фай, «Фонтан Стравинского», 1982–1983.

Этот фонтан представляет собой сбывшиеся мечты, ожившие фантазии, которые мы находим на картинах Клее и Миро, которые мы видим в повторяющихся движениях мобилей Колдера. Струи воды напоминают картины Джексона Поллока. Многое, с чем мы познакомились в своем музее, можно обнаружить в этом фонтане. В нем нашли воплощение разные стили и направления искусства XX столетия, которые, соединившись, создали нечто новое и неповторимое.

В 1920 г. Пауль Клее сказал: «Искусство не передает сущее, а делает его зримым». Все произведения искусства в нашем музее делают зримым мир, которым жили люди в момент создания этих произведений. Сила божественного начала открывалась нам как в шумерских изображениях животных, так и в мозаиках, найденных в Равенне, или потолочных росписях собора Сан Иньяцио. Величие и красоту человека мы познали в греческом воине и «Давиде» Микеланджело, а его тайны были разгаданы в улыбке Моны Лизы. Способность человека быть жестоким и неумолимым мы увидели в полотнах «Жертвоприношение Исаака» и «Убийство Олоферна». Страданиям человека мы сопереживали, стоя перед картиной «Плот «Медузы». Красоту природы открывали вместе с импрессионистами. Клее и Миро ввели нас в мир мечтаний, грез и иллюзий. Кандинский, Малевич и Мондриан познакомили с новым видением окружающего, где нет привычной предметности и все зависит от цвета и красок, основе основ изобразительного искусства.