Л. Пуликова - Королевский музей изящных искусств Брюссель

Гуго ван дер Гус — чрезвычайно одаренный живописец XV столетия, ушедший в 1475 в августинский монастырь Рооде неподалеку от Брюсселя и проведший там последние годы, омраченные тяжелым психическим заболеванием. Благодаря запискам монаха Гаспара Оффхейса сохранились сведения об этом периоде жизни мастера, который продолжал работать в стенах монастыря и выполнял заказы высокопоставленных особ.

Ваутерс изобразил момент, когда Ван дер Гуса настиг приступ жестокой депрессии и монахи, чтобы облегчить страдания художника, пытались музыкой отвлечь его от мрачных мыслей. Автор записок предполагал, что безумие было послано «божественным провидением» или происходило по естественным причинам — из-за «злобы и зависти, которых так много в человеческом теле». Эта картина, поднимающая проблему творчества и душевных болезней, очень интересовала зрителей. Винсент Ван Гог писал своему брату Тео, что «снова почти дошел до безумия, как Гуго ван дер Гус на картине Эмиля Ваутерса».

Джеймс Энсор, выдающийся бельгийский живописец-символист, предвестник экспрессионизма, оказавший большое влияние на становление сюрреализма, прославился своими загадочными произведениями с изображениями скелетов и масок.

Иные темы характеризуют его ранние произведения, подобные картине «Дама в голубом», которая несет следы сильного влияния французского импрессионизма. Здесь заметен глубокий интерес художника к тональности освещения, вносящего в изображение определенное настроение. Льющийся из окон свет наполняет пространство вокруг занятой рукоделием женщины воздухом, создает ощущение покоя и умиротворенности. Живописная гамма картины в основном состоит из голубых, голубовато-серых и зеленых тонов. Живой и свободный мазок кисти автора передает вибрацию и движение воздуха. Подобная живописная интерпретация работы превращает повседневный, будничный мотив в поэтическую сцену.

Нидерландский художник-постимпрессионист Винсент Ван Гог на протяжении всей жизни неоднократно обращался к крестьянской теме.

Данный портрет исполнен в первой половине 1880-х, когда в палитре живописца царили пессимистические, холодные цвета. Темная колористическая гамма как нельзя лучше подходит для передачи чувства подавленности, гнетущей атмосферы, психологической напряженности, сковывавших автора и его персонажей. Краски землистого оттенка, господствующие в портрете, дополняются бликами желтоватого цвета, с помощью которых широкими мазками Ван Гог достоверно создает, точнее, вылепляет абсолютно живое и узнаваемое лицо молодого человека в фуражке. Вскоре, в 1886, художник решает оставить темные цвета и обратиться к более жизнерадостной, светлой палитре, характеризующейся появлением чистых голубых, красных и золотисто-желтых оттенков.

Проживший всего тридцать два года, Жорж Сёра остался в истории искусства как создатель «пуантилизма» — особого живописного метода передачи оттенков цвета с помощью отдельных цветовых точек. Громко заявив о своем искусстве монументальным полотном «Воскресный день на острове Гранд-Жатт» (Чикагский художественный институт), он впоследствии не раз обращался к изображению острова на Сене. Как бы желая вернуться к своим истокам, испытывая потребность вновь исследовать места, некогда его вдохновлявшие, он начал рисовать пейзаж знакомого уголка при ярком солнце.

В этот раз он выбрал для изображения почти пустынный остров в будний день, чтобы никто не отвлекал его от написания картины. Композиционно произведение пронизывают четкие линии, сначала зеленая трава в правом углу разрезается голубыми водами Сены, а затем и саму реку ограничивает полоска противоположного берега. Острые линии белых треугольных парусов лодки только поддерживают геометрическую четкость произведения. При написании этого пейзажа художник накладывает краску таким образом, что буквально вылепляет ею предметы, они становятся осязаемы и трехмерны. Основные цвета, используемые автором, смешиваются в глазу зрителя, а не на холсте, создавая оптический эффект применения большого количества красок.

Бельгийский символист Фернан Кнопф в данном монументальном полотне показал попытку человеческого разума воссоздать нематериальные воспоминания, фрагменты различных периодов времени, которые возникают в сознании. Философ XX века Анри Бергсон предполагал, что воздействие памяти может быть настолько велико, что становится препятствием для подлинного реального наблюдения. Воспоминания, являющиеся темой этой работы, отражают внутренний мир художника, знаменуют окончательный разрыв с единством времени, места и действия.

Для «Воспоминаний», как и для многих других работ Кнопфа, моделью выступила его нежно любимая сестра Маргарита. Чтобы увековечить ее черты и определиться с композицией картины, художник сделал большое количество подготовительных фотоснимков, демонстрируя врожденный вкус к постановке статичных кадров.

Впоследствии фотографии пригодились ему в работе с многочисленными эскизами и рисунками, которые он создавал для каждой фигуры и ракурса, прежде чем начать работать над большим произведением. В «Воспоминаниях» лицо Маргариты повторяется в ликах семи загадочных женщин, неторопливо прогуливающихся по лужайке в неком туманном пространстве. Во время фотосъемок сестре художника приходилось много раз переодеваться, чтобы каждый следующий найденный образ гармонично вписался в общий замысел картины. В итоге Кнопф первоначально соединил кадры с помощью коллажа и только потом на их основе приступил к созданию полноценной работы.

В конце XIX века многие писатели и художники часто обращались к теме молчания, символистов она привлекала в связи с медитацией и гипнозом, атмосферой сна, прежде всего это стихотворение Жоржа Роденбаха «Молчание» (1888) и пастель Одилона Редона «Христос молчания» (около 1895, музей Пти-Пале, Авиньон).