М. Силина - Музей Фогга Гарвард

Джованни ди Паоло — художник итальянского Возрождения, мастер сиенской школы. Для его работ характерен особый интерес к мистическим сторонам религиозного переживания.

В данном произведении это проявилось в выборе персонажа. Живописец изобразил Екатерину Сиенскую, святую, известную своими мистическими сочинениями. Это один из самых популярных женских религиозных образов в католическом искусстве. Святая Екатерина принадлежит к немногим женщинам Средневековья, причисленным к Учителям Церкви. В образе, созданном Джованни ди Паоло, видны присущие его творчеству черты: удлиненные пропорции, холодные оттенки, жесткие контуры. Все это также отвечает атмосфере мистицизма, провидения, символичных сновидений, которые были характерны для позднеготической религиозности.

Данная работа предположительно принадлежит мастеру из Флоренции последней четверти XV века. Эта панель, скорее всего, украшала дом богатого горожанина, именно такие сюжеты из истории античной мифологии были популярны среди образованной публики.

Представленный древнегреческий миф рассказывает о том, как жена Зевса Гера, грозная богиня войны Афина и прекрасная богиня любви Афродита поспорили, кто из них самая красивая. Громовержец не стал разбирать ссору, а направил их в царство Трои к сыну царя — пастуху по имени Парис. Этот фрагмент легенды изображен слева. Парису предстояло выбирать из трех богинь, притом каждая сулила ему дары и богатства: Гера — власть над Азией, Афина — доблесть и воинскую славу. Юноша выбрал Афродиту, которая пообещала ему любовь любой женщины, какую он только назовет. Данная сцена запечатлена справа. Парис выбрал Елену и похитил ее. Именно с этого события началась легендарная Троянская война.

С эпохи Возрождения этот сюжет благодаря своему дидактическому смыслу стал очень распространен. Безусловно, в зарождающейся гуманистической и эпикурейской культуре ренессансной Италии он привлекал возможностью написать красавиц. Художник очень точно и тщательно работает кистью, уделяя внимание каждой детали. Картина декоративна по характеру: сложный орнамент одежд, тонкое мастерство в передаче образов, свежие, яркие краски. Изящные удлиненные пропорции фигур, реализм в изображении костюмов, благородный черный фон свидетельствуют о непосредственном влиянии великого Боттичелли на автора работы.

В период Средневековья и Ренессанса живопись претерпевала изменения не только в области чисто художественных средств выражения: разработка принципов линейной перспективы, особое внимание к колористическим нюансам, интерес к портретным, эмоциональным и психологическим характеристикам. Развитие получила и иконография, то есть устойчивый набор сюжетов, образов, символов, которые многое говорили тогдашнему зрителю.

Данная картина, копия работы знаменитого нидерландского мастера Яна ван Эйка, представляет для исследователей загадку: что хотел сказать, а главное, какой сюжет воплотил живописец? Может быть, это религиозное ритуальное омовение (образ «Невесты Христа»), а, возможно, и светский свадебный обряд. В любом случае удлиненные пропорции, бледная кожа женщины, верность натуре в изображении предметов обихода и одежды являются отличным образцом расцвета нидерландской живописи в XVI веке.

Данная работа предположительно принадлежит мастеру, работавшему в начале XVI века в так называемом испано-фламандском стиле. В Испанию во время правления королевы Изабеллы Кастильской (1474–1504) проникло великое искусство фламандцев. Его передовые принципы быстро ассимилировались с местными мусульманскими традициями, укрепившимися в Кастилии в первой половине XV века. В итоге появился уникальный стиль, в котором интерес к перспективе, портретным характеристикам героев и библейским сюжетам соединился с тщательной отделкой полотна и несколько наивной передачей натуры.

На представленной работе изображена традиционная для католиков сцена введения во храм Младенца Христа: слева его держит Богоматерь, справа — Сименон Столпник. Мастер тщательно передал готический интерьер церкви, детально изобразил богатые наряды персонажей Священной истории. В картине доминируют сдержанные, благородные оттенки: пурпурный, черный и цвет слоновой кости.

Пьеро ди Козимо — итальянский мастер Возрождения, известный своими многочисленными работами на мифологические и аллегорические сюжеты.

Данная картина — не исключение. Силены — это греческие божества, близкие по образу и демоническим свойствам сатирам. Они представляют собой гибрид человека и коня, олицетворяют вакхическую силу источников, мест, изобилующих водой, богатых растительностью. Силены, как здесь, изображались, подобно Вакху, опьяненными стариками с неприятной внешностью и демоническими наклонностями.

Главными особенностями произведения можно считать порядок повествования и цель его написания. Эта работа предназначалась для показа гостям в домашнем интерьере, в спальне. Искушенный в древней мифологии ренессансный гуманист должен был получить особое интеллектуальное удовольствие от хитросплетений сюжетов, отгадывания мифологических и литературных источников, по мотивам которых была написана картина. Художник намеренно запутывает зрителя, отказываясь от хронологического изображения событий, здесь трудно понять их последовательность. Пикантность интеллектуальной загадке придавал тот факт, что живописец показал бурное веселье силена, лесных божеств и людей, создав эйфорическую эротизированную атмосферу языческой мистерии-оргии. Если добавить к этому декоративную тонкость линий, гармоничные цвета и мастерство художника, то картина может служить прекрасным примером настоящей ренессансной живописи: легкой, изящной и остроумной.