А. Борисюк - Леонардо да Винчи

Джоконда (фрагмент).

Об улыбке Джоконды Зигмунд Фрейд писал: «Кто представляет картины Леонардо, у того всплывает воспоминание о странной, пленительной и загадочной улыбке, затаившейся на губах его женских образов. Улыбка, застывшая на вытянутых, трепетных губах, стала характерной для него и чаще всего называется „леонардовской“. В своеобразно прекрасном облике флорентийки Моны Лизы дель Джоконды она сильнее всего захватывает и повергает в замешательство зрителя. Эта улыбка требовала одного толкования, а нашла самые разнообразные, из которых ни одно не удовлетворяет. <���…> Догадка, что в улыбке Моны Лизы соединились два различных элемента, рождалась у многих критиков. Поэтому в выражении лица прекрасной флорентийки они усматривали самое совершенное изображение антагонизма, управляющего любовной жизнью женщины, сдержанности и обольщения, жертвенной нежности и безоглядно-требовательной чувственности, поглощающей мужчину как нечто постороннее. <���…> Леонардо в лице Моны Лизы удалось воспроизвести двоякий смысл ее улыбки, обещание безграничной нежности и зловещей угрозы».

Считается, что подобного эффекта Леонардо достиг за счет использования приема сфумато, которым он в совершенстве овладел ко времени написания картины. В 2010 году группа ученых под руководством Филиппа Уолтера провела рентгенологический анализ «Моны Лизы» и получила невероятный результат: выяснилось, что на портрете нет следов мазков кистью или пальцами. Леонардо писал ее слоями, толщина которых не превышала 0,002 мм, то есть 2 мкм. Общая толщина слоев, нанесенных на полотно, составляет всего 30–40 мкм.

Наибольшее восхищение на протяжении нескольких веков вызывает улыбка Моны Лизы, а точнее, намек на нее. Как писал в 1934 году известный советский искусствовед В. Н. Лазарев в монографии «Жизнь и творчество Леонардо да Винчи», « тысячу раз прав был тот художественный критик, который указал на бесполезность расшифровки этой улыбки. Ее сущность заключается в том, что здесь дается одна из первых в итальянском искусстве попыток изобразить естественное психическое состояние ради него самого, как самоцель, без каких-либо привходящих религиозно-этических мотивировок. Тем самым Леонардо сумел настолько оживить свою модель, что в сравнении с ней все более старые портреты кажутся как бы застывшими мумиями ».

Для того чтобы добиться живости лица, Леонардо использовал не только художественные приемы. Он старался поддерживать веселое настроение модели, не давая ей скучать. По свидетельству Вазари, художник сам рассказывал ей сказки, а также « держал людей, которые играли на лире или пели, и тут постоянно были шуты, поддерживавшие в ней веселость и удалявшие меланхолию, которую обычно сообщает живопись выполняемым портретам. У Леонардо же в этом произведении улыбка дана столь приятной, что кажется, будто бы созерцаешь скорее божественное, нежели человеческое существо… ».

Работая над «Моной Лизой», Леонардо по-прежнему пытался экспериментировать с используемыми красками. И хотя портрет разрушается не так быстро, как фрески, со временем он значительно потемнел, однако, несмотря на это, он является одной из самых знаменитых картин западноевропейского искусства.

В августе 1911 года «Мона Лиза» таинственным образом исчезла из Лувра. Поиски похитителя не давали результата. Несколько раз объявлялось значительное вознаграждение за возвращение портрета. Французские власти даже были готовы сохранить анонимность тому, кто доставит ее обратно в Лувр, но все было тщетно. Лишь спустя два года появилась информация о судьбе картины: преступник откликнулся на объявление директора флорентийской галереи Уффици о покупке «Моны Лизы». Выяснилось, что похитителем был итальянец Винченцо Перуджа, работавший в Лувре мастером по зеркалам. По словам Перуджи, он украл портрет, чтобы вернуть его в Италию, где картина и должна находиться. Перуджа считал, что работа да Винчи была незаконно вывезена во Францию. Похититель просто не знал, что на самом деле Леонардо так и не отдал готовую картину заказчику и увез ее с собой. В 1914 году «Мона Лиза» была возвращена в Лувр. К счастью, картина не пострадала в результате похищения. В 1956 году один из посетителей Лувра плеснул на портрет кислотой, в результате чего была испорчена нижняя часть полотна. В этом же году еще один вандал бросил в «Мону Лизу» камень, незначительно повредив портрет. После этих событий полотно было закрыто пуленепробиваемым стеклом. К сожалению, до настоящего времени ученым так и не удалось полностью остановить процесс разрушения изображения «Моны Лизы» — на краске портрета появились трещины. Для того чтобы не усугублять ситуацию, руководство Лувра приняло решение не выставлять «Мону Лизу» за пределами музея.

Полное название всемирно известной картины — «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо». Ранние биографы да Винчи отмечали, что это полотно занимало в жизни художника особое место. Он отдавался работе над ней с особой страстью, в то время как от большинства заказов обычно уклонялся или не спешил их выполнять. К этой картине у художника была особая привязанность, он часто упоминал о ней в записях, брал с собой в путешествия. Искусствоведы отмечают, что изображение Моны Лизы — это решающий шаг в развитии портретного искусства Ренессанса.

Несмотря на то что «Джоконда» получила высокую оценку современников Леонардо, до середины XIX века интерес к ней угас. В 1867 году критик У. Патер написал эссе, в котором назвал «Мону Лизу» «мифическим воплощением вечной женственности, которое ведает тайны загробного мира, потому что не раз умирало». Это вызвало повышенный интерес общественности к картине. В начале XX века после похищения «Джоконды» и ее возвращения спустя несколько лет о портрете много писали в прессе, что привело к очередной вспышке славы.

Лувр (Париж, Франция).

Картина да Винчи «Молодая девушка в мехах» сочетает в себе одновременно «классического» Леонардо (лицо модели можно угадать на других его работах, а улыбка сравнима с улыбкой Джоконды) и его новый прием: нетипичное для работ художника изображение роскошной меховой текстуры в одежде [6] Хотя на итальянский костюм оказывала влияние французская готическая мода, в нем не было вычурности и экстравагантности. В силуэте костюма основными становятся не вертикальные линии, а горизонтальные; исчезают слишком длинные шлейфы и острые длинные носы обуви, свисающие рукава, глубокие декольте, высокие головные уборы. Детали костюма не удлиняют фигуру. В итальянских одеждах этого периода заметны черты античности: простота и мягкая плавность, свободно падающие складки, нормальные пропорции. Модная одежда в то время изготовлялась из дорогих тканей: бархата, шелка, парчи с серебряными и золотыми нитями, украшенных вышитыми или вытканными цветочными орнаментами, роскошным мехом. Особенно славилась венецианская парча с декоративным рисунком. Королевские дворы Европы покупали ее за большие деньги для торжественных одежд. Самыми модными цветами тканей считались зеленый, изумрудно-зеленый и винно-красный. Леонардо да Винчи, будучи посвященным в вопросы моды, учитывал все эти нюансы. . Оторочка, повидимому, из горностая, обрамляет тяжелую бархатную ткань, которая также прорисована настолько искусно, что не возникает сомнений в том, из чего сделана драпировка.