Любовь Кашинская - Мир вокруг нас

Начиная примерно с 700–2000 гг. до н. э. греческое искусство оказывало огромное влияние на европейскую культуру. Произведениям греческих поэтов и писателей, скульпторов и архитекторов подражали в последующие столетия. Приступая к строительству дворцов, залов правосудия, церквей и ратуш, архитекторы внимательно изучали греческие храмы.

Греческая архитектура привлекала их сочетанием продуманности пропорций и единства целесообразности и красоты. В храмах часто помещались скульптуры богов и богинь, которые потом также изучались в течение многих лет тысячами художников.

Греческая скульптура развивалась наравне с живописью и рисунком. С течением времени форма греческих скульптур менялась: сначала лица больше походили на маски и не несли на себе отпечаток индивидуальности, были безжизненны и неподвижны, но со временем подобные изображения сменились выразительными портретами мужчин, женщин и животных.

Древнегреческая скульптура «Мосхофор (несущий теленка)». Акрополь. Афины. Около 570 г. до н. э.

Хотя мы и не знаем, как выглядели древние статуи (утрачены драгоценные камни, которые вставлялись вместо глаз и помогали «оживить» фигуры), их свободные, полные жизни позы показывают, что мастера знали и понимали красоту человеческого тела и умели передать тончайшие нюансы движения.

Конечно, со временем изменились и материалы, которые используются скульпторами. Вначале художники работали преимущественно в камне (в основном в мраморе), потом в металле (преимущественно в бронзе).

В двадцатом веке использовались и такие пластичные материалы, как майолика. Но опыт греческих мастеров никогда не утратит своего значения.

Данный стиль можно датировать периодом примерно с 1810 по 1875 годы. Именно в это время были построены здания Парламента в Лондоне.

Иногда этот стиль называют неоготикой. В отличие от других стилей, романтизм практически не повлиял на архитектуру. Особенно ярко романтический стиль проявился в живописи, музыке, литературе, а также в садово-парковой архитектуре.

«Свобода» (худ. Э. Делакруа)

Основная особенность данного стиля – мечтательная приподнятость, соединенная с образами прошлого или потустороннего мира. Отсюда – широкое использование мифологических и аллегорических образов. В романтических садах и парках архитекторы имитируют дикую природу, создают различные руины, гроты, пещеры, даже ложные могилы.

В живописи романтический стиль легко определить по четкости сюжета картины. Такие художники, как Гойя, Делакруа, пытались добиться соучастия зрителя, обращаясь к таким известным событиям, как войны, революции или природные катастрофы. На многих полотнах появляются изображения кладбищ, развалин, фантастических пейзажей, озаренных мерцающим светом луны или вспышкой молнии.

Главный персонаж обычно выделяется светлыми красками, а вся остальная часть пространства картины затемнена. Среди наиболее известных художников-романтиков можно назвать Констебля и Тернера. В литературе это были Гёте, Шиллер, Виктор Гюго, Мюссе, Шарлотта и Эмилия Бронте.

Его название происходит от французского слова impression – впечатление. Это название возникло после выставки 1874 года, где была показана картина К. Моне «Впечатление. Восход солнца».

Основная черта этого стиля – непосредственность восприятия того, что изображает художник. Черты этого стиля наиболее ярко проявились в живописи. Назовем наиболее известных художников, работавших в этой манере: Мане, Моне, Писсарро, Ренуар, Сислей и Ван Гог.

Первые работы импрессионистов появились в 1860 году. Однако их не приняли на официальных выставках, поэтому им пришлось организовать альтернативный показ своих произведений.

Главным для художника стал не отбор предмета для изображения и не точность его воспроизведения, а то впечатление, которое у него возникает в тот момент, когда он на него смотрит.

Если он рисует восход солнца, то описывает именно это мгновение. Поскольку цвета меняются быстро, художник рисует очень быстро, осторожно смешивая краски. На каждой картине импрессионистов сохраняются незаметные мазки красок.

«Женщина с плодом манго» (худ. П. Гоген)

Художника можно определить по тому, как он держит кисть, какие краски использует и какие предметы избирает для изображения на холсте.

Вот почему Мане никак нельзя спутать с Ван Гогом.

Этот стиль развивался в европейском искусстве и литературе с середины 1900 до 1930 годов. Его главная особенность – экспрессия, заостренность всего, что изображает художник или скульптор.

Главным для художника становится передача окружающим своих собственных впечатлений, чувств и внутреннего состояния. Он не пытается подавить зрителя красотой. Напротив, художник изображает безобразное, плохое, несправедливое.

Для экспрессионистов вовсе не было важным физическое подобие, они хотели выразить свое впечатление от предмета через образ. Вот почему некоторые из них вообще отказываются от точного воспроизведения формы предметов.

Чтобы достичь своей цели, художники используют самые яркие, «агрессивные» краски, резче, чем те, к которым привыкло обыкновенное сознание. Более того, формы преувеличиваются, становятся больше, тщательнее прорисовываются.

Иногда форма предмета подчеркивается черными линиями. По мнению художника, они должны сделать изображаемое более приметным, бросающимся в глаза.

На первый взгляд кажется, что картины экспрессионистов нарисованы на одном дыхании, за очень короткий отрезок времени. Изображенный предмет узнаваем, однако мы должны постараться заглянуть внутрь и попытаться понять задачу художника.

Данный стиль зародился примерно в 1920 году. Он характерен прежде всего для живописи, но важную роль в его развитии сыграла и литература (основоположником ее является французский поэт Андрэ Бретон). Представлен сюрреализм и в кино, например, в фильмах Жана Кокто.

«Постоянство памяти» (худ. С. Дали)