Д. Перова - Клод Моне

Одна из самых знаменитых работ Клода Моне 1860-х — «Женщина в зеленом платье» (1866, Кунстхайле, Бремен, Германия), на которой изображена Камилла Донсье. Художник работает в реалистической манере, использует темный фон, на ко тором выделяются ярко-освещенные лицо и кисть руки молодой женщины. Такой резкий контраст затененных и освещенных участков напоминает светотень Караваджо. Лиричный и вместе с тем интимный образ не предназначен для всеобщего обозрения: художник разворачивает Камиллу почти спиной к зрителю, она не ищет эффектных поз, оставляя возможность разглядывать подол ее длинного платья и накинутую поверх него шубку. Эта работа была положительно встречена критикой и принесла молодому Моне известность.

Камилла Донсье, модель многих полотен Клода Моне, в 1867 родила ему сына Жана, а впоследствии стала его женой. В 1867 художник написал картину «Жан Моне в колыбели» (частное собрание). Центр композиции четко обозначен расшитой колыбелькой и свисающим над изголовьем балдахином. Жанровое по сути полотно изображает мать у детской колыбельки (такие сюжеты часто встречаются в голландском искусстве). Однако правое плечо и спина сидящей Камиллы обрезаны краем картины, тем самым указывая на значимость другого персонажа полотна — укрытого одеяльцем сына.

В своем творчестве Клод Моне обращался также к жанру натюрморта. Живопись «Натюрморта с грушами и виноградом» (1867, частное собрание) более гладкая, чем в пейзажных работах художника. Композиция лаконична. Глухой темный фон не характерен для «классического» Моне. Спелые, даже слегка перезрелые фрукты смотрятся живыми — настолько правдоподобно они написаны. В этой работе Моне изучает природу и эффекты света. Художник, страстно любивший цветы, предпочитал писать их на природе.

Срезанные цветы в букетах он изображал не часто. В прекрасной работе «Цветы и фрукты» (1869, Музей Пола Гетти, Лос-Анджелес, Калифорния) мастер использовал темный фон, от которого впоследствии отказался. Выстроив натюрморт, Моне свободно обрезает добрую половину плетеной корзины с фруктами, а также лепестки подсолнуха и края фруктов на столе (в традиционной живописи такое было невозможно — художники тщательно продумывали компоновку предметов, их положение на холсте и строили композицию с тем, чтобы выгодно изобразить каждый из них).

В 1860-х Клод Моне испытывал серьезные денежные затруднения, его картины не приносили дохода. Бедственное материальное положение едва не толкнуло художника к самоубийству. Постоянно переезжая с места на место, в 1869 Моне поселился в парижском пригороде Буживале. Сюда часто приезжал Огюст Ренуар, друзья много работали на природе, запечатлевая одни и те же виды и разрабатывая собственную технику живописи. Они вглядывались в лицо природы, замечали малейшие изменения освещения и движения воздуха, и именно эти перемены интересовали их более всего. Молодые художники стремились «поймать» мгновенные состояния вечно изменяющейся и живущей по своим законам природы. Одни и те же пейзажи преображаются в зависимости от времени дня, характера освещения и атмосферных условий: удлиняются и сгущаются тени, играют солнечные блики на листьях и воде, появляется рябь на спокойной глади реки.

Так, в 1869 художники написали одноименные картины с видом на купальню и кафе на Сене под Буживалем — «Лягушатник» (Музей Метрополитен, Нью-Йорк). Моне отрабатывал собственную технику письма, новую манеру нанесения мазков, дающую возможность быстро передавать ощущения от увиденного и сочтенную критикой небрежной. В самом деле, с точки зрения салонного живописца работа производит впечатление незаконченного, бегло написанного этюда, в котором предметы лишь грубо обозначены. Здесь нет идеализации, характерной для традиционного искусства. Моне сознательно избегает этого, он пишет то, что видит, старается «поймать» момент изменчивой действительности, и для этого ему нужна быстрая техника.

Моне, как и другие импрессионисты, писал чистыми цветами, не смешивая краски на палитре для получения тонов и опенков, как было принято в традиционной живописи. Он плотно наносил на холст мазки определенных цветов, сочетание которых в восприятии человеческого глаза дает различные опенки. Этому способствовали открытия в области оптики французского физика Эжена Шеврёля, который также установил, что цвет предметов не является объективной данностью, а зависит от света, отражающегося от них. Отсюда — отказ от черного, «цветные» тени и блики на их полотнах и светлых поверхностях.

К 1867 относится работа «Терраса в Сент-Андресс» (Музей Метрополитен, Нью-Йорк). В ней отсутствует обычное для европейского искусства перспективное построение пространства, из-за чего море кажется нависающим над солнечной террасой. Возможность обходиться без перспективы Моне подсказала традиционная японская живопись, популярная в то время в Европе.

Передний план кар тины занят цветущей террасой, на которой прогуливаются и просто отдыхают в плетеных креслах мужчины и дамы, прячущиеся от жаркого солнца под зонтиками. Яркие цветы неоднократно будут возникать на полотнах Моне, а в позднем творчестве они станут самостоятельным мотивом работ художника. На втором плане изображено море с многочисленными парусниками, акцентирующими линию горизонта. Изображение парусной лодки вблизи террасы введено как ориентир для глаза, без которого первый и второй планы картины были бы слишком разобщенными и композиция зрительно распалась бы на верхнюю и нижнюю части. В горизонтальном построении композиции «инородными» смотрятся вертикали тонких столбов, однако они «собирают» всю работу, концентрируя внимания зрителя на центральной ее части.

В 1870 Моне женился на Камилле. В те годы художник жил в Лондоне, где вместе с Камилем Писсарро писал городские виды.