М. Силина - Музей Бойманса-ван Бёнингена Роттердам

Около 1543 Жюст де Жюст создал серию из пяти гравюр с обнаженными мужчинами, которые демонстрируют чудеса акробатики. (Некоторые специалисты считают, что одним из источников вдохновения Анри Матисса для картины «Танец» (1910, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) стала именно она.) Герои, кажется, не прикладывают никаких усилий для проделывания сложных трюков, они выполняют совершенно невозможные в действительности упражнения. Манера изображения фигур примечательна: тела одновременно расслаблены, а все мышцы максимально напряжены. Данное очень необычное фантазийное произведение, без сомнения, — шедевр школы живописи Фонтебло. Так называется целая группа художников, которые работали над оформлением дворца Франсуа I в 1530-х. Де Жюст был приглашен как скульптор. Именно эта профессия может объяснить интерес мастера к разнообразию ракурсов, которые можно увидеть в представленной человеческой пирамиде.

В 1559-1560-х Питер Брейгель Старший создал несколько рисунков для гравюр, изображающих семь добродетелей. Любовь, по христианской традиции, скорее, Милосердие, — одна из трех главных добродетелей вместе с Верой и Надеждой. В их числе также Благоразумие, Мужество, Справедливость и Умеренность.

Фигура Любви стоит в центре картины, держа сердце в руке. На ее голове сидит пеликан — птица, по преданию, выкармливавшая птенцов собственной кровью. Вокруг изображены семь дел Милосердия — накормить голодных, напоить жаждущих, предоставлять приют странникам, одевать нагих, посещать больных, утешать заключенных в неволю и хоронить умерших. Традиция деяний была закреплена еще в готическом искусстве. Работа типична для творчества Брейгеля Старшего: многообразие поз, сложное сплетение сюжетов, остроумные аллегории, намеки, горькая сатира. Несмотря на обилие живого движения, композиция строится достаточно жестко. На первом плане лентой фриза вокруг фигуры Любви идет повествование. Второй план представляет собой перспективные декорации, где в домах и около порога группируются люди. «Театральный» компонент виден в том, что художник убирает целую стену в доме слева, чтобы зритель мог увидеть происходящее в нем.

Фламандский мастер Питер Пауль Рубенс — один из самых влиятельных живописцев в истории европейского искусства. Его талант проявился в очень энергичных, сочных по цветам, светоносных работах в стиле барокко. Своим творчеством художник выражал радость жизни.

В 1630 Рубенс в возрасте 53 лет женился на 16-летней девушке по имени Елена Фоурмен, младшей дочери Даниэля Фоурмена, торговца шелком из Антверпена. Она пользовалась славой первой красавицы во Фландрии. Этот подготовительный рисунок мастер сделал для живописного портрета, который сейчас находится в экспозиции Старой пинакотеки в Мюнхене («Портрет Елены Фоурмен в свадебном платье», 1630–1631).

Эта совсем маленькая по размеру работа принадлежит кисти Рембрандта. Данный портрет — не эскиз и не набросок, а самостоятельное произведение. Образ благодаря открытому взгляду героини очень простой. Мастер пишет мягкими, точными мазками черных чернил, а незаполненные участки оставляет для создания ощущения объема платья. Интересен метод создания светотени, как и во многих своих работах, художник уделяет особое внимание выразительному контрасту света, который называется «кьяроскуро».

Ценителям искусства известны потрясающие по силе света и трагической одухотворенности картины Рембрандта. В 1634 он переехал из своего родного Лейдена в Амстердам, там быстро приобрел славу великолепного портретиста и исторического живописца. Графические работы играли большую роль в распространении его влияния и популярности, их много репродуцировали, в то время Рембрандта знали именно по гравюрам. Коллекционеры и любители ценили мастерство художника в создании драматических контрастов света и тени, виртуозной гибкости линий.

Данная работа — определенно одна из самых выразительных и запоминающихся в графическом собрании музея и новаторская для своего времени. Рисунок не выгравирован, а процарапан иглой на медной пластине. Этот прием усложняет фактуру произведения, добавляет напряжения поверхности. Линии достаточно жесткие, острые, очень выразительные. Фигуры персонажей легендарного события мелькают в темноте, пространство на земле полностью занято людьми, все движется, как живая масса. Больше всего света падает на распятие со Спасителем. Такой традиционный способ символического выделения означает благодать Бога. Мастеру не важны мелкие подробности и детали, главное для него — сильное и торжественное впечатление от события в целом.

Антуан Ватто ввел моду на галантную тему в национальном, а потом и общеевропейском искусстве XVIII века. «Галантными празднествами» называли сюжеты, где изображались придворные дамы, аристократия, утонченные развлечения, танцы, пикники за городом, то есть отражавшие легкие и непринужденные будни света в стиле рококо. Мастер даже носил титул «живописца галантных празднеств», данный французской Королевской академией художеств.

Танцор изображен в четвертой позиции, с которой начинался менуэт — популярный танец эпохи барокко. Вдохновение для создания «галантных» персонажей Ватто черпал из богатой традиции итальянской комедии дель арте.