М. Силина - Музей Бойманса-ван Бёнингена Роттердам

Однако манера живописца еще не подверглась каким-либо радикальным изменениям. Брат уверял его, что темные цвета и сдержанная палитра не найдут покупателя и надо делать более яркие и запоминающие вещи. Но мастер некоторое время продолжал рисовать неприхотливые натюрморты, такие как этот. Цветы цинерарии созданы в очень мрачной палитре, будто темнота мешает прорваться ярким краскам. Кажется, что эта работа свидетельствует о самочувствии художника, который столкнулся с новой невиданной жизнью на чужбине и ушел в себя, выжидая.

Ян Тороп — самый яркий представитель символизма в нидерландском искусстве. На рубеже веков его работы пользовались популярностью как на родине, так и за границей.

Художник впитал все самые современные тенденции в технике, образности, стилях. Его творческую эволюцию можно разбить на несколько основных этапов. 1890-е отмечены преобладанием символистского искусства в полотнах. Мастер выработал очень оригинальную манеру, в которой главенствовали волнистые параллельные линии, очень элегантные и декоративные. Большинство холстов — странные, таинственные произведения, полные символов. Этот отмечен интенсивным колоритом, сложным сочетанием цветов. Не сразу можно понять, что на нем изображено. В центре на заднем плане — дерево с голыми ветками, напоминающее экзотические, растущие на острове Ява, именно оттуда был родом художник. Левее на стуле сидит маленький ребенок — олицетворение нового поколения. Это портрет дочери Торопа Чарли, которая родилась годом ранее. Справа, обвив другое дерево, притаилась змея — символ дьявола. В дверном проеме — женское лицо, скорее всего, жены живописца. Считается, что мастер нарисовал и собственный портрет, он спрятан где-то в деревьях. Интересно, что наряду с историческими символами Тороп изобразил и аллегории современной цивилизации, например телеграфный столб. Способ рисования — множеством тонких линий — напоминает разветвленные корни. Все опутано органическими, живыми, растущими на глазах стволами, стеблями, волокнами, сквозь их паутину словно проходит энергетический ток, биение жизни. Сцена в данном произведении похожа на сказочный лес, на сон, где прошлое и будущее объединяются причудливым образом.

Данную картину создал Георг Хендрик Брейтнер — один из самых популярных амстердамских живописцев последней четверти XIX века, творивший в стиле импрессионизма, что проявляется в ассоциативной, свободной работе кистью.

В представленном холсте мастер показывает свой интерес к модной в то время теме — японскому искусству и культуре. Наряды, обыгрывающие ее, пользовались популярностью среди аристократии еще целое десятилетие, женщина — в традиционном кимоно. Название работы — тоже своеобразный «трюк». Героиня надевает сережку, однако это наименее заметная деталь картины. Композиция строится на ритме абстрактных прямоугольных фрагментов. Слева изображена черная пропасть двери с нарядной обшивкой. Справа — худенькая фигура в темном длинном одеянии. Оно прямое, не выделяет силуэта, поэтому на первый взгляд кажется, что это широкая декоративная полоса. Художник очень эффектно соединил цвета: темно-синий с золотым и нежно-розовым.

Пауль Габриель учился в амстердамской Академии на пейзажиста. С 1853 по 1856 он жил вместе с коллегами Антоном Мауве и Герардом Бильдерсом в деревне Остербек, между Арнемом и Утрехтом. Там художники творили на пленэре (с. 82 В. Толен, «Художник Габриель работает в лодке»), занимались натурными штудиями природы, ее изменчивых состояний. В этом они следовали барбизонцам. Хотя Габриеля причисляют к группе гаагских мастеров, строго говоря, это не так. Он в основном жил в Брюсселе, лишь изредка выезжая на пленэр за город. Отличается и палитра художника: гаагцы предпочитали скромную, достаточно тусклую, а он охотно использовал разнообразную гамму ярких, насыщенных цветов. Также Габриель писал не только пейзажи, придавал значение темам индустриализации, как и французские импрессионисты. Художник регулярно навещал своего ученика, а потом и просто друга Толена в Кампене. Эти места стали частым мотивом в наследии мастера.

Данное полотно довольно показательно для пейзажной живописи, в которой реализм синтезирован с элементами импрессионизма. Композиция цельная, прекрасно прописана глубина пространства, всю сцену можно охватить одним взглядом. Сюжет прост, главное — не тема, а настроение и краски. Лучи солнца отражаются от воды, заливая все серебристым мерцанием. Крестьянский юноша в одиночестве отправляется в плавание. Зритель не видит его лица. Картина притягивает атмосферой покоя, одиночества и пустоты. Ее название раскрывает специфические голландские реалии: польдеры — осушенный участок земли, защищенный от воды дамбой.

Поль Синьяк — яркий представитель французского неоимпрессионизма. Он был одним из основателей Салона Независимых в 1884. Группа живописцев-новаторов объединилась для совместных выставок, так как их работы отвергались официальным жюри Академии художеств. Салон принимал всех творцов без предварительного отбора картин и вне зависимости от их стиля и направления. Именно там Синьяк познакомится с Жоржем Сёра. Этот мастер вдохновил его на применение физических законов света и цвета в живописи. Взяв за основу приемы импрессионизма, художник разработал собственную манеру накладывать краски. Она получила название «пуантилизм» (рисунок правильными по форме мазками — точками), ее самый главный эффект — краски не смешиваются на палитре, а основные цвета наносятся рядом друг с другом прямо на холст, чтобы желаемый тон воспринимался непосредственно глазом зрителя. Картины становятся похожи на своеобразные цветные мозаики, составленные из прямоугольников или кружков. Это на первый взгляд хаотичное нагромождение цветов, если рассматривать полотно, отойдя на некоторое расстояние, оформляется в образы и сюжет. Метод Синьяка повлиял на таких мастеров, как Анри Матисс и Кеес ван Донген.