Ольга Морозова - Шедевры европейских художников

Ок. 1667. Музей истории искусств, Вена

Выдающийся голландский живописец Ян Вермер родился в Делфте (отсюда его прозвище Делфтский). Как художник он быстро добился успеха и признания: в 21 год был принят в гильдию Св. Луки – главного городского объединения художников, а в 30 лет возглавил ее. До нас дошло немногим более 30 картин Вермера – по свидетельствам современников, работал он медленно, «двадцать раз переделывал часть картины», добиваясь совершенства, при этом ценил свой труд, запрашивая за каждую работу непомерно высокую по тем временам цену, что было многим не по карману.

Обращенный спиной к зрителю художник, одетый в старинный костюм, пишет портрет девушки в мантии в лавровом венке. В ее руках аллегорические атрибуты – книга и горн, что вкупе с картой Голландии на стене дало повод считать эту женскую фигуру изображением музы истории Клио.

1664. Лувр, Париж

Вермер писал жанровые полотна малых форм с небольшим числом действующих лиц. «Кружевница» – самая маленькая картина художника. Считается, что здесь он изобразил кого-то из своих домочадцев. Картина написана с близкого расстояния, и, чтобы сконцентрировать внимание зрителя на фигуре девушки, Вермер немного расплывчато пишет более близкие предметы – синюю подушку для вышивания, красные и белые нити.

«Линия правды» в искусстве Вермера неотделима от «линии красоты», в его исполнении даже обыденная сцена наполнена поэзией и мирным течением жизни. Огромную роль в реализации живописного замысла играет магия света и богатый колорит, с помощью которых художник создает на холсте необычайную драгоценную субстанцию, сотканную из тончайших переплетений света и цвета. Свет проникает в частицы красочного пигмента, озаряя их изнутри и содействуя впечатлению светозарности, которое оставляют полотна мастера.

1664–1665. Королевский кабинет картин, Гаага

Картины Вермера неизменно поражают совершенством цветовой гармонии, классической чистотой и ясностью образов. Художник виртуозен в передаче различных фактур: тканей, теплой кожи, блестящей жемчужины. Каждая деталь его полотен написана мельчайшими выпуклыми точечками краски, что делает предметы ощутимо осязаемыми. Умение видеть красоту в любом мотиве, а также сложнейшую живописную технику Вермер позаимствовал у своего великого предшественника Яна ван Эйка. А вот в области передачи интенсивного солнечного освещения и мощного звучания чистых пятен света Вермер был новатором.

1635. Картинная галерея, Дрезден

Картина написана спустя год после женитьбы Рембрандта на Саскии ван Эйленбюрх. Художник чувствовал себя тогда баловнем судьбы. К тридцати годам он достиг славы, богатства, семейного счастья. Сын мельника, он женился на девушке из высших слоев общества. Поднимая бокал вина, Рембрандт приглашает зрителя принять участие в его празднике жизни. Подобное изображение нарушало тип голландского семейного портрета, который традиционно демонстрировал добропорядочность, скромность, бережливость.

Картина Рембрандта выглядит, напротив, иллюстрацией к перечню «смертных грехов»: беспечности, чревоугодию, расточительности. Тип композиции с изображением гуляки с женщиной на коленях восходит к изображению разгула блудного сына из евангельской притчи.

1636. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

«Даная» была задумана под впечатлением от картины Тициана на сюжет из древнегреческой легенды. Дочь царя Акрисия была заключена отцом в недоступной башне, так как оракул предсказал ему смерть от руки внука. Но очарованный Данаей Зевс проник к ней в виде золотого дождя, и сбылось предсказание оракула.

Рембрандт написал первый вариант картины, очень близкий эталонному тициановскому воплощению этого сюжета, но позднее существенно переработал его. Вместо золотого дождя художник изобразил мощный поток света, предвещающий появление Зевса. В отличие от героини Тициана Даная совсем не похожа на античную статую. Рембрандт хотел, чтобы зритель видел не красоту, а страстный порыв: Даная протянула руку, то ли призывая Зевса, то ли защищаясь от него.

Большое внимание художник уделяет окружению Данаи – великолепным предметам, наполняющим ее темницу, украшению ее истинно царского ложа, охраняющим Данаю грифонам и плачущему Амуру, символу ее вынужденного целомудрия. Поражает красота самой живописи: мягкое мерцание золота, вспышка света на серебряных нитях, рубиновые переливы бархата. К краскам Рембрандт добавлял толченое стекло, благодаря чему красочный слой приобрел повышенную светоносность.

Ок. 1668. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Картина была закончена Рембрандтом незадолго до смерти, хотя он начал работать над ней еще в 1636 году. Это произведение – подведение итогов его жизненной и творческой судьбы. Сюжет заимствован из евангельской притчи о блудном сыне, который, покинув дом отца, вел беспутную жизнь и промотал все свое богатство. И вот больным и нищим вернулся он в родной дом, где отец его принял и простил. Рембрандт изображает самый напряженный момент встречи отца и сына после мучительной и долгой разлуки. Поза сына, упавшего перед простившим его отцом, – поклонение величию доброты и милосердия. Мягкий теплый свет, который излучает лицо отца, озаряет лица тех, кто присутствует при этой сцене, и, как надеялся Рембрандт, лица зрителей. Эта картина – обобщающий образ человечества в его величии и его слабости. По своему масштабу, приподнятости образов над буднями жизни, значительности содержания она близка алтарной композиции на тему всепрощающей любви к страждущему человечеству.