Антон Танонов - Танончики. Поваренная книга для начинающих композиторов

«„Вуальная линия“ в музыкальной фактуре – действенный прием, когда количество нот, в мелодической, гармонической или даже басовой функции по вертикали, варьируется. „Вуальная линия“ становится толще – больше нот, или Уже – одна нота, в зависимости от характера музыкальной фразы, задуманной композитором. Прием позволяющий добиться иллюзии динамических и тембральных изменений, оставляя их неизменными.»

«Сегодня многие композиторы выбирают курс на „безэмоциональную“ музыкальную эстетику. Я уважаю их выбор, но вижу в этой традиции определенные риски. Во-первых искусственный интеллект – AI – в этой эстетике скоро будет вне конкуренции, так как отсутствует критерий эмоционального воздействия на слушателя. На первый план выдвигается красота концепта и его реализация. А во-вторых часто за этим выбором слушатель – зритель, начинает искать творческое бессилие, как говорится эмоциональная шкала у этого автора, „как у стула“. Ну и в – третьих, полная „безэмоциональность“ музыки недостижима, так как в конечном итоге окрашивается эмоциональным восприятием слушателя.»

«Сегодняшнее время – эпоха малых форм в музыке. Темп жизни настолько велик, что создание музыкального произведения продолжительностью более 15—20 минут, способного полноценно увлечь слушателя, погрузить в иную реальность, становится сверхсложной задачей. Отсюда трагедия безысходности – „конец времени композиторов“. Дело не в конце, а в выросших требованиях по отношению к серьезной музыке. Чаще авторам просто не хватает таланта и владения ремеслом, чтобы удержать внимание слушателя. Так что стоит начинать с миниатюр – 2—3 минуты – прекрасный формат для современной пьесы, даже если не получилось – на композитора никто не обидется:)) А вот 50 минут неуправляемого „потока сознания“ – это потерянный вечер, беда, могут и поколотить…»

«Выбор темпа – что может быть проще? Но на деле – в партитурах молодых авторов нет метронома, как правило темп завышен – особенно критично в вокальной музыке, метрические модуляции не выписаны. Очевидные же вещи – Allegro в 18—21 веках разные темпы, а значит разная музыка. Так же как существует „цветной слух“ – на тональности, гармонические – сонорные сочетания, так и „чуйка“ на выбор темпа для композитора чрезвычайно важна, ее надо развивать. В практике работы на компьютере приходиться обращать на эту проблему особенно пристальное внимание – детально прорисовыввть агогику, находить актуальный BPM. И пусть вас не пугают значения BPM – 121,5, BPM 144,3 и т.д.. Это дыхание Вашей музыки и оно не может быть стирильно ровным… Как мы знаем ровный пульс у мертвеца или робота:))»

«Контрастная драматургия в музыкальном произведении – самый действенный способ захватить внимание слушателя. Динамический, жанровый, стилевой, тембральный контраст позволяет рассказать музыкальную историю, полную коллизий и неожиданных поворотов. Легко сказать – сложнее сделать. Каждый из драматических поворотов надо обыграть, сделать органичным, присвоить, поставить свою авторскую подпись, иначе произведение превращается в „нарезку“ эмоциональных пазлов. И здесь конечно преимущество у профессиональных композиторов – эрудитов – академический подход, знание классики даёт бесконечное количество драматических инвариантов, комбинируя которые можно найти верное направление. Любителям сложнее, они как правило мастера одной краски…»

«Микрохроматика – действенный прием преодоления „традиционно – стандартного“ звучания даже бытовой, простейшей интонации. При умелом использовании придает „вневременной“ характер звучания музыкальной фразе, путая слушателя: то ли это отголосок индийской раги, античной трагедии или „постцифровой программинг“ (авторский термин – пересочинение композитором стохастической композиционной модели, созданной на компьютере по определенному алгоритму). Микрохроматика лучше работает в прозрачной фактуре в пианиссимо. „Волшебству“ четверть бемолей – диезов нужно пространство:))»

«У каждого композитора со временем свои отношения – кто-то мыслит тактами, кто-то актами, кто-то в масштабе секунды – минуты – часы. Самое главное успевать записывать, само сочинение музыки, когда ты в потоке совсем не отнимает времени. Основной тормоз – внятная фиксация идей в нотном тексте. Процесс сочинения непрерывен, поэтому каждый раз думаешь набирая коллегу по телефону, может быть не стоит? А вдруг он сочиняет новую симфонию, собьешь с мысли – шедевр и не сложится:))?»

«Современный вокальный речитатив – тема для композитора весьма актуальная, а порой и загадочная. Путаницу вносят сами же авторы – стоит почитать предисловие Шёнберга к „Лунному Пьеро“ – про речевую мелодию, которая не должна напоминать пение или естественную речь, и при этом содержать различия между певческим и речевым звуком. Прочитаешь – попробуешь, и сразу чувствуешь себя клоуном в театре абсурда. Думаю лучший вариант – поставить в нотах пометку речитатив и уделить время творческой работе с исполнителем, поискать манеру, технику исполнения, сделать запись. Эта первая аудио-видео запись, спродюсированная самим автором, и будет лучшим предисловием – комментарием для будущих исполнителей Вашего шедевра:))»

«Нет ничего хуже незаконченной музыки, брошенной музыкальной идеи. Особенно когда она хорошая. Все равно что рассказать половину анекдота – всех заинтриговал, но никто не рассмеялся. Не бросайте своих „музыкальных детей“, уважаемые композиторы, будьте ответственными родителями:))»

«Искусство изящного перехода от одной музыкальной мысли к другой и есть основа владения музыкальной формой. Предыкты, связующие части, каденции, вступления – без них музыкальная речь теряет связность. Здесь главное чувствовать дыхание формы, напряжение – расслабление, вдох – выдох, и научиться себя сдерживать – не перегружать информацией связующий раздел – помнить что это лишь „портал“ для перемещения из мира одной музыкальной идеи в другой:)) Для меня источником вдохновения в области формы остаются сонаты и симфонии Бетховена и Гайдна, первый – в качестве сбалансированной идеальной системы соотношения частей, второй – свободы внутри системы.»

«„Цветной слух“ понятие размытое. С одной стороны он несомненно есть. Но… Мне кажется соответствие тональностей – цветов, понятие не статичное, а процесс. С годами моя шкала меняется – в детстве почти полностью совпадала с Римским-Корсаковым, не со Скрябиным, сейчас полностью изменилось восприятие F и G, коричневый и красный. Ну а с практической точки зрения сегодня больше работают на мой взгляд синестезии – тембр – цвет, чем цвет – гармония.»