О. Киташова - Музей изящных искусств Бильбао

Отличительные и новаторские черты пейзажной живописи де Хаса — это работа с натуры и повышенное внимание к освещению, что легко обнаруживается и в данной работе. Композиционной доминантой картины становятся высокое дерево и группа расположенных прямо за ним. Эти решительные вертикали вступают во взаимодействие с беспокойными, смело написанными облаками, занимающими большую часть пейзажа. Подобный характер неба и тревожная атмосфера воспринимаются как своеобразная дань минувшей эпохе романтизма, которую сменил реализм.

Французский художник Теодюль Огюстен Рибо — представитель реализма. Натюрморт был одним из его излюбленных жанров, мастер следовал традициям голландского и испанского натюрморта XVII века. Чрезвычайно важной для него была работа со светотенью, резкое противопоставление освещенных и затемненных участков на холсте, подобное живописи Хусепе Риберы.

Натюрморт Рибо помимо изображенных предметов содержит в себе незримое присутствие человека, который недавно оставил это место. Все на картине лишено первозданности, нетронутости: от тыквы отрезан кусок, инжир разделен пополам, а на переднем плане несложно заметить косточки от съеденной вишни. Этим же приемом пользовались старые голландские мастера в своих знаменитых «завтраках», наполненных символикой vanitas, элементы которой указывали на тщетность и суетность жизни, преходящность радости и благополучия. К ванитас у Рибо относится не только ощущение человека, не оставившего после себя ничего, кроме раскиданных объедков, но и изображение плодов, имеющих определенное символическое значение. Так, вишня, инжир и сливы связаны с грехопадением.

Содержательная сторона искусства соседствует у мастера с формальными качествами современного ему периода, особенно это проявляется в работе с фактурой. Художник, наносящий краску в один слой, не пытается скрыть разнонаправленные мазки кисти, а формирует с их помощью поверхность предметов.

Томас Фрэнсис Дикси — английский художник Викторианской эпохи. Он специализировался на жанровых и исторических сюжетах, а также любил изображать сцены и персонажей из произведений У. Шекспира.

Картина «Офелия» интересным образом перекликается с творчеством существовавшего в то же время направления прерафаэлитов. К нему относились художники, активно боровшиеся с любыми проявлениями академизма. Их собственные чаяния были обращены к искусству Раннего Возрождения, мастерам XV века, творившим до Рафаэля (отсюда и название). Некоторые из прерафаэлитов возрождали старые техники живописи, большинство использовало средневековые и возрожденческие сюжеты, в том числе, как и Дикси, часто изображало героев Шекспира. При этом идеалом красоты часто становилась рыжеволосая девушка.

Однако несмотря на сходство в выборе модели и сюжета, эта «Офелия» коренным образом отличается от творчества прерафаэлитов. Дикси — приверженец классического стиля Академии, противниками которого они являлись. Он идеализирует модель, прорабатывает малейшие детали в тонкой манере, сглаживает мазок, решает картину в спокойном, неярком колорите. Все эти средства используются для достижения той отвлеченной, несуществующей «классической» красоты, что всегда была целью академической живописи.

Эдуардо Замакоис и Забала — испанский художник, родившийся в Бильбао и переехавший в столицу, где поступил в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Затем он учился в Париже, его картина «Буффон XVI века» имела успех на Салоне в 1867. На родине мастер получал награды Национальной выставки, участвовал в оформлении комнат Альфонса XII в Королевском дворце в Мадриде. Творчество Замакоиса и Забала, находящееся в русле академической традиции, состояло из различных жанровых сцен и часто носило высмеивающий католичество, антиклерикальный характер, также художник неоднократно обращался к изображению шутов.

На данной картине, написанной во время его пребывания во Франции, герои изображены в ярких костюмах, резко контрастирующих с покрытой рельефом стеной и мостовой, которые, в свою очередь, решены в нарочито блеклых, неярких серо-голубых и охристых тонах. Шуты показаны за игрой в петанк, ее суть заключается в том, чтобы подбросить металлический шар как можно ближе к маленькому деревянному шару — кошоннету. Зритель видит, что один из персонажей измеряет расстояние между шарами для определения победителя. В этом произведении проявляются формальные признаки, присущие всему творчеству мастера: использование чистых насыщенных цветов, внимание к деталям, сочетание элементов историзма и реализма.

Династия Мадрасо обеспечила академическое искусство Испании рядом более или менее значительных художников, принадлежащих к разным поколениям. Раймундо, творивший в стиле академического реализма, завершает линию ее известных мастеров.

На картине изображен его отец Федерико де Мадрасо — портретист, придворный живописец Изабеллы II, директор музея Прадо и президент Академии Сан-Фернандо. Он начинал учиться изобразительному искусству у своего отца, представителя неоклассицистической живописи Хосе Мадрасо-и-Агудо, а сам впоследствии обучал Раймундо.

Следует отметить, что портрет отца художник написал в более смелой и аскетичной манере, чем большинство других своих работ. Центрами притяжения для взгляда зрителя становятся рука героя и его сосредоточенное на работе лицо, которое Раймундо не побоялся изобразить, как и все прочие элементы полотна, с помощью широких, пастозных, разнонаправленных мазков. Великолепное владение техникой и изрядная доля сентиментальной изысканности в полотнах сделали его востребованным в буржуазной среде Испании и Франции.