В. Морозова - Художественный музей Индианаполис

Неподдельный интерес к эстетике импрессионизма все же овладел живописцем, и он начал выезжать на пленэр с женой и детьми. Для полотна «Солнечный свет» художнику позировала его дочь Элеонора. Элегантный абрис ее фигуры выделяется на фоне холмов и реки, в духе традиционной изобразительности названного течения. Левой рукой девушка закрывает лицо от ослепительных лучей, которые и являются главными героями картины.

Фредерик Карл Фриске родился в Мичигане, но большую часть жизни провел во Франции. Он учился живописи в Чикаго, Нью-Йорке и Париже, в начале творческого пути предпочитал классические академии, позже стал посещать колонии художников в Голландии и, в особенности, в Живерни. Летний дом мастера находился по соседству с домом Клода Моне, но, несмотря на это, они не стали близкими друзьями, и в дальнейшем Фриске отрицал влияние Моне на свое творчество. В течение многих лет живописец отдавал предпочтение домашним сценам, где женщины сидят в саду или залитых солнечным светом комнатах. Он был горячо увлечен передачей ярко освещенных предметов и говорил: «То, в чем я главным образом заинтересован — это солнечный свет, цветы на солнце, женщины на солнце, обнаженные на солнце. Если бы я только мог воспроизвести это именно так, как я это вижу, то я был бы доволен».

Цветовая палитра Фриске отличается легкостью и красочностью, при этом он часто использует близкие цвета, что роднит его творчество с тональным стилем.

«День. Желтая комната» — одна из нескольких работ, написанных в любимой обстановке художника, имеющих подобные названия. В них передан именно этот интерьер, в чем исследователи видят импрессионистическую идею изображать один и тот же мотив с различных точек зрения и при разном освещении. Здесь натурщица сидит в кресле рядом с распахнутыми дверями залитой светом веранды.

Картина «Платье» написана через пять лет после работы «День. Желтая комната» и является хорошим образцом уникального стиля Карла Фриске. На полотне изображено уже знакомое зрителю кресло, возле которого стоит дама в японском халате и с цветком в руке. Хотя художник уже не уделяет столько внимания световому впечатлению и комната погружена в матовую дымку, все же в зеркале за спиной женщины отражается яркий, почти неестественный дневной свет. Специфическое освещение и придуманные цвета выдают влияние постимпрессионистов, таких как Поль Гоген и Пьер Боннар.

К тому же, вдохновленный мотивами японской гравюры, Фриске в одном полотне использовал разные ориентальные элементы, растительный орнамент. Вертикальные полосы на стене перекликаются с цветочным узором на кресле, замысловатыми завитками на шкафу и живыми цветами на нем. Такой прием исследователи назвали декоративным импрессионизмом, в котором объединяется выразительное использование цвета и света с популярным тогда стилем группы «Наби».

Роберт Генри родился в Цинциннати, штат Огайо, его отец занимался торговлей недвижимостью. Когда мальчику было десять лет, родитель выстрелил в кого-то с целью самообороны. Семья, опасаясь за свою безопасность, переехала в Атлантик-Сити, сменила фамилию, детей отдали на усыновление. Роберт воспитывался в школе-интернате в Нью-Йорке, после чего поступил в Академию изящных искусств в Париже.

Приезд живописца в Пенсильванию в 1891 ознаменовал новый период его жизни — он открыл художественную группу «Восемь» с целью противостоять ограничениям академического искусства. Позднее она была названа историками искусства «Школой мусорного ведра» за интерес к неприглядной стороне бытия. Главенствующим стилистическим направлением объединения выступал реализм, а основным мотивом творчества Генри стало отображение современной повседневной жизни. Мастера привлекали обыденные сцены, бедные кварталы Нью-Йорка, грязные улочки с одинокими прохожими, показанные в неприкрашенном виде, во всей подчас уродливой наготе.

Для портретов Генри выбирал простые лица, таких людей зритель может встретить на каждом шагу. Картина «Эдна Смит в японском палантине» интересна присущей художнику способностью передавать характер модели, ухватить дух персонажа. Для достижения гармонии цветовых соотношений живописец использует сочетание зеленого и красного в разных оттенках и вариациях.

Джеймс Эббот Макнейл Уистлер родился в штате Массачусетс, но детство и отрочество провел в Санкт-Петербурге, где посещал Академию художеств. Его искусство жестко критиковалось приверженцами академических тенденций, мастер находился в особенной конфронтации с салонным искусством Франции.

Уникальной особенностью живописца явился принцип передачи первого возвышенно-лирического впечатления от модели, что является заимствованием у импрессионистов. В портрете «Гармония в розовом и сером: леди Ме» выстроенность композиции сочетается с глубоким психологизмом во взгляде героини. При изображении фигуры Уистлер подчеркивает вертикализм, что отличает многие женские портреты мастера. Сдержанность и элегантность манер леди Ме, бледная матовая кожа, прямота осанки, статичность позы придают ей схожесть с фарфоровой статуэткой.

Судьба картины окутана тайной: по словам семьи Ме, в Художественном музее Индианаполиса хранится копия полотна, сделанная одним из учеников живописца, а оригинал был продан основателю музея Фрика в 1916. Такой обычай существовал у бедных французских аристократов — на место подлинника в доме вешалась хорошая реплика, и семья не теряла репутацию.

Дважды побывав в Париже, Эдвард Хоппер позаимствовал некоторые технические приемы импрессионизма, но, несмотря на это, его живопись не укладывается в рамки ни одного определенного стиля. Художник не признавал современный ему модернизм и предпочитал держаться на почтительном расстоянии от ненавистных абстракционистов. Основополагающим конфликтом в своих произведениях мастер делал противопоставление Цивилизации и Природы, но на картине «Нью-Йорк, Нью-Хейвен и Хартфорд» эти два контрастирующих понятия соединились.