Александр Щуренков - Современное искусство и как перестать его бояться

Последний вопрос: какие эмоции вызывает эта работа?

Через эмоциональный фон мы и даем определение тому, что видим. Напомним, что глобальная задача искусства – заставить (ну или помочь) думать и рефлексировать.

Отвечая на эти несложные вопросы, мы становимся ближе к пониманию современного искусства и постепенно перестаем его бояться, так как за сложными или, наоборот, очень простыми конструкциями или изображениями начинают появляться детали, которые мы уже с легкостью можем описать. Можно даже попытаться вспомнить, каких еще художников вы знаете, которые работали в похожей манере, возможно, их несколько. Добавьте к тем объяснениям, которые вы только что дали себе сами, объяснения от кураторов выставки: часто их размещают рядом с картиной, либо есть отдельный лист с описаниями работ всего зала, который можно попросить у смотрителя. Чтение объяснений к работе (они еще называются экспликациями), кураторского текста и биографии художника поможет приблизиться к тому замыслу, который был положен как в основу каждой из работ, так и выставки в целом. Поначалу это может показаться не так легко, но со временем даст эффект – и каждая выставка будет проходить с удовольствием. Тут главное не переусердствовать и не мучить себя.

В аккаунте @guschin не раз проводили эксперимент с работами молодых, мало кому известных художников, так и заслуженных, работы которых уже есть в музее. Читателям был задан один вопрос: искусство это или нет. Как показала практика, многие негативно отреагировали на современное искусство, при этом когда молодые художники отвечали на их комментарии, зачастую негатив сразу менялся на позитив.

Для примера приведем работу художника Fragment Gallery Ильи Федотова-Федорова, которая внешне представляла собой книгу, внутри страниц которой было сделано прямоугольное отверстие, а в нем размещена небольшая скульптура, отдаленно напоминающая скелет животного. Вот пример негативного комментария, когда автор даже не пытался ничего понять и ответить на вопросы, а сразу вынес свой вердикт: «Да почему это арт-объект-то? Где здесь искусство? Я, конечно, понимаю, что в наше время под любую «хрень» можно сочинить историю, даже под красиво разлитую гущу от кофе… Но это же чушь? Вместо того чтобы просматривать альбомы Ренуара, например, люди сидят и парятся вот над такими «арт-объектами» и думают, а что же хотел сказать автор? Да пофигу вообще, что он хотел сказать, если честно. Это ни разу не искусство и недостойно внимания». Или вот пример другого комментария на ту же работу: «арт-объект у меня вызывает эмоции. Сначала закрытая книга – как жизнь. Дальше нащупываешь точки, куда двигаться – ими становятся камешки на обложке. Когда открываешь, как открываешь для себя что-то в жизни, то получаешь что-то новое, и эти знания – как дерево с плодами на корнях и на ветвях. Обложка из мягкого материала напоминает кожу, а картина внутри из ткани и вышивка на ней – что-то мягкое, струящееся». Второй комментарий показывает процесс и попытку понять работу художника на простом эмоциональном уровне. Важно задать себе правильные вопросы и услышать на них свои же ответы. Давайте попробуем вместе разобрать несколько картин. Кстати, рекомендуем такие игры также устраивать с детьми, вместе можно будет открыть много нового.

Илья Федотов-Федоров. Без названия. 2017 г.

Илья Федотов-Федоров родился в 1988. Живет и работает Москве.

Изучал генетику (биоинженерию) и филологию в Москве. Во время учебы интересовался искусством и активно работал с эскизами и идеями для будущих работ.

Основной мотив художественной практики Федотова-Федорова связан с обращением к естественно-научному знанию.

Начнем с одной из самых дорогих работ современности – работы Марка Ротко «Оранжевое, красное, желтое». Именно эта картина была продана за $86,9 млн, и поверьте, она того стоит. Безусловно, мы видим перед собой живопись, и на картине изображены три цветовых прямоугольника с несколько размытыми краями разного размера, каждый из которых однородного цвета, и все они близки по тональности. Несомненно, что это абстрактная живопись, и чтобы дальше отвечать на вопросы мы должны попытаться отключить все рациональное и обратиться к тому, что чувствуем и слышим внутри себя, когда смотрим на эту работу. Если говорить про технические особенности картины, то ее нижняя часть кажется объемной из-за своеобразного свечения, переданного переходами цвета. Благодаря игре цвета и тени две нижние части картины резко контрастируют с верхней. У одних первой реакцией на картину может быть тревога, хотя другие видят в ней солнце и закат. Этого не стоит бояться или стесняться: часто работы могут открываться для всех абсолютно по-разному в зависимости от того, какая у смотрящего художественная подготовка или даже настроение. Так мы провели самый первый анализ и дальше желательно уже что-нибудь почитать про Марка Ротко, признанного гения абстрактного экспрессионизма. Кстати, сам Ротко говорил, что его картины не абстрактны, а также добавлял, что если зрителя тронуло только сочетание цветов, то он его абсолютно не понял.

Рекомендация:

посмотреть работы Марка Ротко «Лаванда и шелковица», № 10 и «Красный и розовый на розовом».

Марк Ротко. № 16 (красный, коричневый и черный). 1958 г.

Музей современного искусства. Нью-Йорк

Кстати, если у вас будет возможность посетить музей ростовского кремля, то там вы увидите работу Ольги Розановой «Зеленая полоса». С этой картиной мы тоже рекомендуем пройти подобную игру. Обращать внимание стоит также на то, где экспонируется работа, какое у нее освещение, есть ли рама – все это поможет создать правильное от нее ощущение. К сожалению, имя этой художницы мало кому известно в нашей стране, хотя ее по праву можно назвать одним из пионеров авангардного искусства. Именно Ольга потратила всю свою жизнь на то, чтобы найти идеальный способ передачи эмоции через цвет. Художница в своих работах предвосхитила появление абстрактного экспрессионизма в Америке. А теперь попробуем ответить на вопросы. Картина представляет собой небольшое прямоугольное полотно, где-то 70 на 50 см. На белом фоне изображена зеленая полоса, чем-то напоминающая то ли стебель растения, то ли дорогу. Важно, что картина не ограничена рамой и есть ощущение, что она фактически не имеет границ. Эта картина стала одной из первых работ в мире, где цвет вышел за рамки холста.