Дана Арнольд - Говорит и показывает искусство. Что объединяет шедевры палеолита, эпоху Возрождения и перформансы

«[она] для особого окружения. Когда я осознаю структуру ландшафта… то чувствую определенный импульс. Внезапно в голове возникает образ. Идея объекта, который отразил бы природу или то, как я ее воспринимаю».

[17] БАРБАРА ХЕПУОРТ. ФИГУРА ДЛЯ ПЕЙЗАЖА

261,5 см. 1960 г. Дом-музей Барбары Хепуорт, Сент-Айвз, Корнуолл

И правда, замкнутая, но будто растущая ввысь форма как будто сама возникает из пейзажа. Природа трансформируется в искусство. Внутренние пустоты дали Хепуорт возможность впустить свет внутрь целостной формы. Художница описывала свой творческий процесс как попытку передать «ощущение того, что объект одновременно содержит нечто и включен в него». Внутренние пустоты были визитной карточкой Хепуорт как скульптора по камню. На примере «Фигуры для пейзажа» мы видим, как эта техника была применена к другому материалу. Сначала художница создала форму из гипса, а потом отлила ее в бронзе. Ощущение гармонии достигается за счет равнозначности скульптуры и окружающего ландшафта. Обволакивающая, передающая неясный образ, она будто помещена в пейзаж и в то же время обрамляет его.

История создания этого произведения – яркий пример совместной работы, когда первоначальный замысел художника воплощают другие профессионалы. Сначала помощники Хепуорт изготовили объемный каркас из алюминия. Затем на него налепили гипс. Затем над гипсом работала Хепуорт. Потом на основе полученного шаблона нужно было отлить бронзовую скульптуру. Изготовить такой большой бронзовый объект оказалось непросто. Цех, в который обычно обращалась Хепуорт, был в это время занят подготовкой других ее работ к выставке в Цюрихе, в Galerie Charles Lienhard. Художница говорила: «И вот осталась предпоследняя фигура высотой семь футов. Я не могла никого убедить отлить ее для меня: во всех цехах было полно заказов». В итоге компания Morris Singer Ltd . отлила фигуру в 1961 году. Это произведение получило название «Фигура для пейзажа, 1/7», потому что всего было отлито семь версий. И хотя каждый вариант немного отличался от других, сам факт, что бронзовые скульптуры легко воспроизвести, ставит вопрос об оригинале и о его копиях. «Фигура для пейзажа, 1/7» осталась в собственности художницы. Поскольку она выставлена в саду, произведение меняется под воздействием природы: бронза покрывается зеленой патиной. Непогода, опавшая листва и птичий помет – всё оставляет следы на материале. Наверное, так и должно происходить со столь близкой к природе скульптурой.

Совсем иначе выглядит взаимодействие художника с материалом, а также его отношение к природе в работе Энтони Каро (1924–2013) «Однажды рано утром» 1962 года (рис. 18). После посещения Америки в 1959 году Каро отошел от того типа творчества, который мы до сих пор обсуждали в этой главе. Поездка очень повлияла на его художественную мысль:

«Я понял, что, отбросив историю, ничего не потеряю. …В Америке я осознал, что нет преград и нет правил. Какая колоссальная свобода заключена в знании, что при создании статуи или картины вас ограничивает только вопрос об их соответствии замыслу, а не мысли о принадлежности к искусству в целом!»

[18] ЭНТОНИ КАРО. ОДНАЖДЫ РАНО УТРОМ

Сталь, алюминий, краска. 289,6×619,8×335,3 см. 1962 г. Современная галерея Тейт, Лондон

Изменение творческого подхода по возвращении из Америки стало следствием желания художника «отойти от той устаревшей формы работы, которая прочно ассоциируется с гипсом и глиной». Каро стал применять стальные листы и балки, которые он обязательно красил. Поэтому у скульптур не было «никаких опор, никакой ностальгии, никакого ощущения ценности, возникающего только потому, что предмет из старой бронзы или ржавый, с облупившейся краской или патиной».

Всё это мы видим в скульптуре «Однажды рано утром». Это светлая, наполненная воздухом и открытая композиция. Каро создал разные ритмы и точки обзора, меняя линии и плоскости скульптуры. Нет фиксированной перспективы, с которой нужно смотреть на это произведение. Оно разворачивается и простирается в наше пространство через низкую горизонтальную ось, при этом оставаясь на уровне глаз. Покрасив всё в ярко-красный, Каро добился от разнородных элементов такой же созвучности, как у нот музыкального произведения.

Представитель минимализма Карл Андре (род. 1935) исследует грань между художником и традиционными материалами при создании скульптур. Он сосредоточился на промышленных изделиях, присутствующих в повседневном обиходе. Это обработанные дерево, кирпич и металлы, такие как алюминий, медь, сталь, магний и свинец. Причем для своих композиций художник использует самые обычные экземпляры, которые есть в продаже. На материал он никак не воздействует: не режет, не пилит и не отливает в формы. Вместо этого Андре раскладывает их на полу в простые линейные схемы (рис. 19). Так он возвращает скульптуру к истокам – буквально раскладывает на базовые. Перед нами снова сырой материал. Композиции Андре лежат на полу и из-за этого кажутся горизонтальными. Хотя от скульптуры, которая изображает, например, человека, ждешь вертикального акцента. Своим выбором материалов Андре помог переосмыслить возможности скульптуры.

Он сказал:

«Моя цель как художника – стать Тёрнером материала. Тёрнер отделил цвет от изображения. Я пытаюсь проделать то же самое с материалом».

[19] КАРЛ АНДРЕ СТРОИТ СКУЛЬПТУРУ «КЕДР»

Фотография Мартина Райса. 1964 г.

Наверное, самые известные композиции Андре сделаны из кирпичей. Они создавались с целью бросить вызов смыслу и противостоять пониманию искусства как способа выразить идеи. Скульптор рассказал о том, чего хочет достичь с помощью материала:

«Надеюсь, что моя работа сможет передать такое чувство порядка, какое рождает, например, фуга Иоганна Себастьяна Баха...

Отметины, которые я делал на холсте или бумаге, никогда не были для меня настолько убедительными, как, например, перемещение кирпича или бруса с одного места комнаты на другое».

Движения художника, формирующего композицию, – это часть произведения. Мы осознаём реальность этого процесса в не меньшей степени, чем физические свойства составных частей работы.

В своих произведениях художница Корнелия Паркер (род. 1956) тоже сосредоточивается на материалах. Она использует повседневные объекты. Эти предметы хотя нам и знакомы, на первый взгляд не ассоциируются с произведением искусства. Паркер преображает их, чтобы исследовать природу материи. Вдобавок художница играет с общественными и личными ценностями и смыслами. Так она проверяет на прочность и снимает ограничения произведения искусства, накладываемые его физической формой. Паркер воздействовала на объекты массой способов, в том числе подвешиванием, взрыванием, измельчением и вытягиванием. И полностью исследовала возможности материала. Художница рассказывала о своем творчестве: