Джудит Уэстон - Режиссер и актеры. Как снимать хорошее кино, работая вместе

Конечно, это не всегда работало. Я быстро обнаружила, что чем больше я старалась оказаться в моменте, тем хуже получалось попасть в него, пан или пропал. Как же остаться в моменте? Вот четыре совета.

1. Строго следуйте своим прихотям.

Я вообще-то до конца поняла это только после того, как стала преподавателем актерского мастерства. Начиная с первого проведенного мною класса, я всегда следовала порыву момента. Раз за разом, точно и преданно я делала именно то, что мне хотелось делать, и говорила именно то, что первым приходило в голову, — и это всегда срабатывало. Начнем с того, что «находиться в моменте» значит следовать порывам, не беспокоясь об одобрении окружающих — потом они примут и оценят это в любом случае!

Хорошие актеры серьезно относятся к следованию прихотям. Возможно, из-за этого рядом с ними тяжело находиться. Люди, которые следуют порывам, могут казаться угрозой для тех, кто этого не делает. На съемочной площадке технические работники могут безжалостно порицать актеров, поведение которых не укладывается в социальные нормы: они ведут себя отчужденно, раздражительно, шумно или проводят дикие, эксцентричные ритуалы, чтобы подготовится к работе. Это ужасно несправедливо.

При этом я не считаю, что актерам или кому бы то ни было на площадке, как и в любой другой профессиональный сфере, следует потакать, если их поведение превращается в издевательство. Задача режиссера — установить тон, провести черту, обозначить границу между поведением, позволенным во благо творческой свободы, и непозволительными поступками, которые будут пресекаться, чтобы все могли спокойно и расслабленно играть или делать свою работу.

Но поддерживать атмосферу, свободную от напряжения, не значит позволять социальным нормам доминировать. Это не значит, что съемочные дела должны крутиться вокруг того, что все друг друга любят или неизменно ведут себя «мило». Во время съемок в центре внимания должна быть работа. А наша работа происходит не в общественном, а в творческом мире и допускает свободное и нестандартное поведение, когда оно способствует продвижению к результату.

2. Поймите свои чувства.

Чтобы находиться в моменте, актеру необходимо быть в контакте со своими чувствами. К несчастью, иногда единственное, что актер испытывает, — это нервозность. Актера это может привести в ужас, он может испугаться, что из-за страха сцены будет выглядеть непрофессионально.

При первых признаках комплексов у актера режиссеры часто впадают в панику. Чтобы не вызывать у режиссера беспокойства, актер может отступить в состояние желания быть спокойным или начать притворяться, будучи на самом деле встревоженным. Это не помогает, а только усиливает напряжение. Нервозность подавляет все рефлексы и ощущения, в том числе внутреннее зрение и проницательность. Когда актер напряжен или отрицает свои чувства, он физически не может двигаться от момента к моменту, потому что сенсорные, интуитивные и эмоциональные ресурсы в эту секунду ему не доступны. Когда актеры говорят «Я просто не здесь,» они имеют в виду как раз это.

Но чувства — это энергия. Подавление или манипуляция реальными чувствами не помогут актеру освободить свои инструменты из стазиса. Совсем наоборот. Чтобы оставаться чувствительным к стимулам, соответствующим выступлению, актер должен принять весь клубок и быть восприимчивым также к тем стимулам, что не соответствуют ему. Даже страх можно использовать.

Глубоко зарытая, похороненная боль, гнев или страх, проявляющиеся в жизни неврозом, могут с помощью инструментов актера превратиться в энергию и наконец в артистичность. Есть известный анекдот среди актеров: «Пользуйся!» В момент ужасной личной трагедии актриса внезапно светлеет лицом: «Я могу это использовать, когда играю фрекен Юлию!»

Иногда, в то время как камера продолжает снимать, происходит что-то непредвиденное: забывается реплика, ломается или исчезает реквизит, хочется чихнуть. Странное дело, но эти неожиданные неудачи придают актерам сил. Важно дать ясно понять, что независимо от происходящего вы хотите, чтобы они продолжали работать, пока не прозвучит «Снято»; что вы просите продолжать, потому что хотите и намерены позволить им ожить и реагировать на жизнь вокруг них и внутри; что вы следите за их выступлением, чтобы им самим не приходилось этого делать . Не обязательно из-за того, что вы собираетесь использовать дубль с чихом (хотя кто знает?), но потому, что событие/ошибка могла произойти с актером внутренне — воспоминание, ассоциация, мысль могла прийти к нему в голову в процессе выступления — и вы не хотите его останавливать, когда такое случается! Это же чистое золото.

Если актер подходит к вам и говорит: «Я ужасно себя чувствую. Я не понимаю, что делаю», — лучшим ответом будет: «Я рад, что это именно так». Если у вас не получается сразу справиться с этим, попробуйте сказать: «Я рад, что ты мне это сказал». Все страхи, все препятствия — это потенциальная энергия . Даже если актер очень устал, это может быть хорошо. Уставшие люди часто ослабляют эмоциональную броню, им легче расслабиться в моменте.

3. Не двигайтесь и не говорите, если вам не хочется.

Это не то же самое, что позволить актеру ничего не делать и грызть себя, пока он не окажется «в образе», то есть пока не начнет чувствовать, что, по его разумению, должен чувствовать персонаж. Я не говорю, что надо импровизировать над сценарием на камеру или что блокинг и движение камеры не должны быть отработаны заранее, а актерам позволено бесцельно бродить вокруг.

Убеждение, что актер может не двигаться и не говорить, пока не захочет, скорее относится к тому, позволено ли ему следовать внутреннему чувству времени и порывам. Суть в том, что актер говорит, потому что ему есть что сказать, двигается, потому что у него есть конечная цель, а не потому, что этого требует сценарий, так сказал режиссер или потому, что настала его очередь. Прежде чем мои студенты начинают отыгрывать сцены в классе, я даю им совет, который считаю очень полезным: «Не произноси реплик, если не чувствуешь, что это нужно». Я считаю своей обязанностью напоминать им об этом каждый раз. По моему опыту, их это не утомляет. Скорее, расслабляет. Дает разрешение.

4. Прощайте себя за ошибки.

Что есть риск как не свобода ошибаться? Мы все ошибаемся. В момент ошибки мы видим бездну, разверзающуюся под ногами. В начале курса актерского мастерства лучшим моментом часто является тот, когда студент забывает реплику. Выражение его лица, пока он пытается вспомнить — это, возможно, единственный правдивый миг во всей сцене.

Хорошие актеры используют эти моменты — мимолетное видение бездны, — чтобы закрепиться в моменте «здесь и сейчас». Режиссер же может помочь, даря безусловную любовь и свободу совершать ошибки. Я часто замечаю, что, когда актер испытывает трудности с репликами, которые, я уверена, он знает наизусть, достаточно сказать: «Да мне неважно, говоришь ли ты слово в слово», — и он с легкостью их вспоминает (если, конечно, серьезно отнесся к моему разрешению).